STUDIO MAFFEI MILANO

Federico De Leonardis | Album

2012-02-10T11:57:00.001+01:00

Studio Maffei Milano è lieto di presentare “Album”, prima personale in galleria dello scultore milanese Federico De Leonardis. In mostra, una selezione di opere dal 1976 al 2012. Nella sua concezione di artista come testimone e portatore di memoria, De Leonardis presenta semplici oggetti: i fili a piombo, le braghe e le catene sono originariamente strumenti di lavoro e di cantiere, su cui si sedimenta, però, una memoria intesa come energia fisica e psichica accumulata attraverso l’uso e la fatica. La dimensione del lavoro, inteso come vissuto di lenta costruzione, come fatica e rischio, ritrova in De Leonardis un valore umano e culturale forte. Altro aspetto cardinale nella produzione storica dell’artista è la relazione tra lo spazio visibile – in cui egli interviene attraverso l’atto poietico della collocazione – e lo spazio invisibile, potentemente narrativo, che le opere stesse creano nello sguardo del fruitore. De Leonardis si rivolge direttamente a noi, ci chiede di chiudere il cerchio, di completare l’opera: ed ecco i timbri e le tagliatelle, poco più che tracce – indizi - di quella dimensione indicibile e sommersa che sostiene il visibile.

Anna Siccardi

È stata per me una grande e inaspettata gioia poter entrare nel complesso universo artistico di Federico De Leonardis, dove le forme diventano delle proposte prima di tutto percettive e poi, non necessariamente ma eventualmente, progettuali. Tutto il suo lavoro è basato su quest'analisi introspettiva dei mezzi e dei fini della percezione come coscienza dell'essere. L'essere di De Leonardis è di natura heideggheriana: il Das Sein è il suo design (inteso nel senso originale della parola inglese), è la matrice strutturale di un lungo e complesso circuito esistenziale. Grazie a lui ho capito che lo spazio, Der Raum, la conoscenza è la manipolazione possibile dello spazio: infatti non si può rappresentare, ma presentare, la differenza è sostanziale, nella verità della sua apparenza..

Pierre Restany

Biografia

De Leonardis è un architetto di formazione che, nella sua lunga e complessa pratica artistica, ha sempre mantenuto uno stretto rapporto con l’architettura, da lui intesa come pre-esistenza su cui intervenire e dove poter sviluppare, collocandoli, i suoi lavori; tra le sue installazioni permanenti, Fessura e Contravvento I (a Sesto S. Giovanni), Fessura e contravvento II e Muri II (a Peccioli). Tra le numerose mostre e collaborazioni, De Leonardis ha lavorato con Galleria Continua (dal 1994 al 2001) ed esposto in vari contesti. Tra le sue ultime mostre, ricordiamo “A latere” (Maria Cilena Arte Contemporanea, Milano, 2006), “Polemos” (Castello di Gavi, 2006), “Firmamento nero” (Fondazione Cini, Venezia, 2008), “Nostalgie” (Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce, Genova, 2008), “Palinsesti” (San Vito al Tagliamento, 2008).

La Tagliatella

Seduto a un cavalletto, poco meno di quarant’anni fa (1975), avevo capito che non esiste alcun legame di necessità immediata fra l’esterno, quanto vediamo di fronte a noi, e indirettamente quindi l’accidente, l’altro, in una parola il fuori, e il dentro. Allora ho rovesciato gli occhi e chiuso con ogni forma di Rappresentazione: Piero e Paolo, i due amatissimi apostoli, erano morti. Non mi rimaneva che una terribile agitazione.Così ho steso davanti a me dei fogli bianchi 70x100 e con un gesso nero tentavo di calmarla. Ma, mi rendevo conto, stavo ripercorrendo una strada aperta sessant’anni prima e finita cieca. Quindi, per sfondare quel muro in fondo cercavo prima di comprimere l’agitazione, essenzializzarla, ridurla alla sua necessità, e poi di tradurla in occhio per gli altri. Ma tra questo prima e questo poi si frapponeva ingombrante l’acufene mentale, il chiacchiericcio interno che non ci abbandona mai: rapidissimo, subdolo, agguata la nostra spontaneità senza darci respiro. Finché non ne possiamo più e scoppiamo. Esattamente: deflagriamo a una velocità tale da non essere raggiunti da quell’assassino.Ma qui sta il punto: il grido va governato e tra il polo d’attrazione esercitato dall’esasperazione, solo espressione di stomaco, e quello del compiacimento della coscienza di se stessi, la calligrafia, si colloca l’opera d’arte, quel miracolo che si raggiunge raramente e ti lascia esausto.Il resto è conseguente. Lavorando per raggiungerla, mi rendevo conto che cresceva in me una forza centrifuga, letteralmente: la mia mano veniva calamitata dai bordi del quadro, l’orizzontale-verticale della sua essenzialità, e finiva all’esterno. Il balletto fra il fuori e il dentro faceva salire alla coscienza la conseguenza della fuga dalla rappresentazione rinascimentale: fuggire il centro creava un’altra forma di sguardo, quello che può essere espresso solo approssimativamente dall’aggettivo periferico. Così nel 1977 nasceva la Tagliatella: il muro in fondo al vicolo era caduto e si apriva davanti una nuova strada, respiravo. Ma l’occhio, il mio, il tuo, quello di tutti, non si è formato altrove? non appartiene solo a se stesso? ‘Sguardo periferico’ va bene, ma segno anche lui, un segno che deve confrontarsi con tutti quelli venuti prima, contenerli e superarli. Un Segno. Appoggiandomi a questo bastone con la mano sinistra, la vergine, mi sono incamminato a cercarlo nel vuoto che avevo creato e quarant’anni dopo sono ancora in marcia.

La Scultura

Ma lo è già la T. Fatta di pieghe, per scandire lo spazio a sua disposizione e all’occorrenza accantonare anche il suo modesto ingombro visivo, cerca di colloquiare con il muro a cui è appesa e mal sopporta vicinanze. Però mi son chiesto: bene la carta, la leggerezza, ma il corpo, il peso, la terra? Il Tempo della Terra? L’ambiente che ti ospita? L’architettura che è la tua origine?

Allora ho sgomitato lo spazio, ho cercato di espanderlo, aprirlo, capendo che per quanto facessi incappavo sempre nel Tempo, che già con la Musica per sordi della T. avevo sconfitto, ridotto all’osso di un secondo, un secondo e mezzo.

Il Tempo è memoria, ciò che sta dietro un muro e ti dirige coi suoi fili invisibili, è l’eterna ossessione di tutti: la nostra morte e ancor peggio la morte dei nostri cari. Che altro è la Musica se non il tentativo di dimenticare il suo inesorabile scorrere, producendo un corpo fisso, un qualcosa a cui non puoi togliere neanche una nota senza farlo precipitare? Sì, perché i piani inclinati della vita lì vanno a finire, a terra, mentre il tic tac di Cronos prosegue inesorabile il suo corso. Sembra tutto molto semplice, banale anzi, ma è così: cerchiamo la Musica a frenare l’andazzo che ci impone il Grande Architetto, ma ci riuscirà?

Federico De Leonardis per "Album" - Studio Maffei Milano - febbraio 2012

Elisa Penagini EP_NY | Exhibition View

2011-12-02T11:42:00.002+01:00

Elisa Penagini | EP_NY

2011-10-15T12:44:00.008+02:00

EP_NY

ELISA PENAGINI

Inaugurazione Lunedì 24 Ottobre | 7 - 9 pm

Fino al 20 Novembre 2011

http://www.studiomaffeimilano.com/SMM/EP_NY.html

Studio Maffei Milano presenta la prima personale della fotografa italiana Elisa Penagini. In mostra settanta immagini suddivise tra Polaroid e stampe da pellicola in edizione unica, su carta baritata, che rappresentano il progetto realizzato a New York, all'interno del workshop "Personal Documentary" in collaborazione con i fotografi Erica Mc Donald e Andrew Sullivan.

Il risultato è un diario visivo, un lavoro autoreferenziale, attraverso cui emerge un doppio sguardo su di sé e sulla città, dove l'intimità personale e l'ambiente esterno si mescolano e si riflettono l'una nell'altro. Una documentazione meticolosa, giorno per giorno attraverso l'immagine fotografica. Una grande parte della ricerca dell'artista è focalizzata sull'autoritratto, sul vedere sé stessa attraverso le cose, attraverso l'esperienza filtrata dal contesto culturale e temporale in cui si è inserita. La fotografia è risultato di una ricerca compositiva e di una posa che si assume pur nella visione più naturale possibile, nella semplicità delle azioni quotidiane: le immagini esercitano una certa seduzione su chi l'osserva, da esse emerge urgenza psicologica, uno stato interiore, determinato dal contesto, dal momento sia in cui le immagini sono realizzate e sia dal tempo e dal luogo in cui in seguito sono lette.

English Version

Studio Maffei Milano presents the first solo exhibition of italian photographer Elisa Penagini. On display seventy pictures divided among Polaroids and only-editions film print on baryta paper, representing the project created in New York during the workshop "Personal Documentary", in collaboration with photographer Erica McDonald and Andrew Sullivan.

The result is a self-reported visual diary where personal privacy and the external environment are mixed and are reflected into each other. A meticulous documentation, day by day through the photographic image. A large part of the research is focused on artist's self portrait, seeing herself through things, filtered through the experiences of the cultural context and time in which it is inserted. The photos are the result of research into the composition of simple everyday acts: emerges from them a psychology determined by the context and the moment in which the images are made and the time and place which later will be read. The daily diary is enriched by details of the city through to the long and meditated time of film photography where begins to breathe New York by glimpsed faces, sweeping views, architectural details and nightclubs.

Emanuele Dottori | Sooting Stars

2011-10-15T10:54:00.002+02:00

SHOOTING STARS

EMANUELE DOTTORI

Inaugurazione Giovedì 15 Settembre | 7 - 9 pm

Fino al 9 Ottobre

Comunicato Stampa Download pdf

Studio Maffei Milano è lieto di annunciare la seconda personale di Emanuele Dottori “Shooting Stars” in Viale Bligny, 39, dal 15 settembre al 9 ottobre 2011.

La mostra è il seguito del primo progetto presentato a marzo 2010 “Skylight”, dove l’artista presentò una serie di collage e lavori grafici con soggetto il lucernario della stazione Centrale. In questa occasione il punto di vista è stato ribaltato, portando lo spettatore al 31° piano del grattacielo progettato negli anni Cinquanta da Giò Ponti, attuale sede della regione Lombardia, che domina la piazza della stazione (sulla quale spunta il lucernario della metropolitana). Verranno presentati dodici quadri di medio formato su fondo nero pastello ad olio su tela, e una di grande formato site specific sul project wall della galleria.

Costellazione provvisoria

Ora che la notte di San Lorenzo è ricordo lontano, c’immergiamo in altri lumi. Forse subdoli forse benevoli, certo nostri. I desideri non detti e urlati quella notte li trasciniamo ora tra le mura, perché facciano da combustibile: una supernova incastrata nello stomaco, che contiamo non esploda prima del tempo, per il troppo bruciare. Il puntino bianco intravisto nel profondo è scivolato, sparito, come un fiammifero sfregato contro la volta nera, per ritrovarsi ancora acceso in fondo alla gola.

Dal Buco nero della Centrale (Skylight, 2010) alla città di notte il passo è breve. Bastava salire, dal fondo della metropoli(tana), fino al 31° piano del suo Grattacielo Numero Zero. Il misterioso obelisco di cemento armato, sparisce per essere di nuovo fonte d’ispirazione: punto di vista privilegiato per guardare da vicino e da lontano la mia città.

La pittura è tornata disegno, assecondando la mia condanna all’analisi e la necessità di ripulirne l’immagine. La tela si riduce ad un tessuto nero e la luce affoga per annullarlo. A solcare lo spazio, solo una traccia di pastelli ad olio, qui evanescente e sfumata, là decisa e chirurgica.

Così, fiori multicolore e alberi secolari son cresciuti rapidamente, infuocando la city di vita, forme e colori ad un tempo terribili e sublimi. Milioni di perline colorate ingioiellano un tessuto nervoso e brulicante, in cui ogni luce è una vita, e ogni vita è una luce. Milioni di stelle artificiali, perciò umane, trasformano la città in un cielo trapuntato che, anche di notte, non fa un passo indietro. È un firmamento al contrario, sempre a rischio di essere mangiato dalla sua provvisoria costellazione.

STUDIO MAFFEI MILANO | Exibart

2011-06-15T12:57:00.001+02:00

A lezione da Pino Spagnulo

16 / 05 / 2011

La mostra Giuseppe Spagnulo | Corrado Abate dello Studio Maffei Milano mette in scena un dialogo intergenerazionale e lancia un importante messaggio ai giovani artisti “malati” di arte...A poche centinaia di metri dall'ex fabbrica Richard Ginori, che fino al 1986 è stata la casa della ceramica e della porcellana; in un'ex officina metalmeccanica di una vecchia area industriale, sorge oggi uno spazio creativo che ha fatto dell'urban style il suo punto di forza. Varcando la soglia, un'altra caratteristica balza agli occhi: i fregi che adornano le pareti scrostate sono residui della mostra Urban Edge Show del 2005, retrospettiva degli ultimi 30 anni di storia dell'arte urbana. Ceramica, officina, acciaio e spazio urbano sono tutti elementi che contraddistinguono in modo essenziale l'universo artistico di Giuseppe Spagnulo (Grottaglie, 1936), definito dal critico Philippe Daverio "tra i cinque artisti più importanti in Italia”. La mostra dello Studio Maffei Milano Giuseppe Spagnulo|Corrado Abate non è solamente un confronto tra "due artisti diversi e allo stesso tempo simili", ma un dialogo intergenerazionale. "Il confronto con un artista giovane è sempre positivo - sottolinea Spagnulo - si potrebbe definire, più che un confronto, una collaborazione. Un artista con il quale si intraprende un'avventura espositiva diventa un po' un compagno di viaggio e accompagnarsi ai giovani rende sempre i viaggi allegri". Se l’artista pugliese – poco più che ventenne – venne accolto con lo stesso entusiasmo negli studi di Lucio Fontana e Arnaldo Pomodoro; ai giovani scultori è offerta l'occasione di dialogare con un artista che ha fatto della scultura il suo luogo d’elezione. In una piccola stanzetta, che fa da spartiacque tra le due sale principali, sono accostati i lavori dei due artisti: Vuotando me (Omaggio a Spagnulo) e Balbec.

Da una parte, un tronco è stato svuotato della sua sezione interna dalla potente lama di una motosega; dall'altra, due cilindri di acciaio sono uno in piedi e l’altro a terra, anch’essi ricavati tirando fuori il nocciolo. Nonostante i due artisti partano da posizioni diametralmente opposte, l’accostamento riesce e ciò che emerge è il poverismo del materiale e la forza del gesto. La materia lacerata, dilaniata o trafitta da chiodi e punteruoli, riporta le mura di questo antico spazio industriale al loro passato di officina. Il carro ponte che attraversa il percorso espositivo, e il gancio che è sospeso alla puleggia restano immobili e silenti. Non vi sono tubi, putrelle o billette da sollevare, ma piccoli ferri e maquette in ceramica adagiati al suolo oppure appoggiati su un ripiano; o ancora, piccoli blocchetti in legno trafitti da elementi metallici. Quest’antica fucina di Vulcano offre un contesto ideale, importante quanto il gesto artistico.

Spagnulo a partire dagli anni ’70, entra in officina e forgia le proprie opere con gli operai; Abate, fin da ragazzo, sperimenta la mescolanza di materiali nel mobilificio del padre. Il legno è per Corrado Abate (Biella, 1977) il suo alter ego e il ferro, un agente violento. L'acciaio e la ceramica sono per Pino Spagnulo "materiali simili anche se molto diversi nella loro sostanza". "Sono simili - spiega l’artista - perché entrambi possono essere plasmati con la forza del fuoco; entrambi sono materiali grezzi, poveri nel senso di amorfi: un pezzo di marmo è bello anche da non lavorato e m'incute un certo grado di rispetto della sua eleganza innata; la ceramica e l'acciaio sono informi e non certamente belli per se stessi perciò invitano all'intervento".
L'avventura espositiva non solo offre uno spaccato della produzione artistica di Spagnulo ma va oltre, e spalanca a un giovane e promettente artista, ricorda il gallerista Luca Maffei, la porta principale per accedere al mondo della scultura italiana.

Una mostra museale che, accostando liberamente due generazioni, lancia un messaggio importante, rivolto ai giovani artisti. "Ai giovani - dice Spagnulo - a rischio di sembrare paternale, esorto al lavorare, a scavare nelle proprie menti, ad arrovellarsi. La creatività e l'arte sono due cose ben distinte: molti, quasi tutti hanno un certo grado di creatività. Creatività vuol dire anche saper cucinare, avere un certo gusto nel vestirsi. L'arte è un'altra cosa. L'arte è malattia, ossessione. Sarà mica creativo il gesto di Fontana sulla tela? Quante volte l'ha ripetuto? E' artistico, non creativo. La ripetizione continua alla ricerca di un qualcosa di cui spesso se ne ha solamente un'intuizione e che non si riesce nemmeno a spiegare, questa è una forma d'arte. I giovani devono lavorare, tanto, molto e intensamente per capire se sono "malati" o no.

E sembra che Corrado Abate abbia il "febbrone”.

Irene Falck

Giuseppe Spagnulo | Corrado Abate

2011-04-12T09:39:00.011+02:00

GIUSEPPE SPAGNULO | CORRADO ABATE
La mostra è stata prorogata fino a venerdì 27 maggio
Sabato 21 maggio dalle 10.30 alle 14.00 visita guidata e intervento degli autori
Orari: tutti i giorni dalle 15 alle 19.30 o su appuntamento al +39 340 246 8530

Studio Maffei Milano feat. Circus Studio
via Pestalozzi, 4 - 20143 Milano

Studio Maffei Milano, in collaborazione con Circus Studios, hanno il piacere di presentare la mostra Giuseppe Spagnulo | Corrado Abate. L’esposizione presenta una selezione delle opere di due scultori: un affermato e pluricelebrato artista, Giuseppe Spagnulo e un giovane in via di affermazione, Corrado Abate.

La mostra mette a confronto due artisti diversi e simili.
Giuseppe Spagnulo, dai suoi esordi negli anni ’60, spezza forme d’acciaio di geometrie definite liberandole dalla staticità e dalla chiusura. Partendo dal dibattito tra Figurativo e Astrattismo sviluppa una scultura che ingloba lo Spazio attraverso il gesto, non meramente gestuale, ma sintesi di una decisione e del suo atto finale. Le lacerazioni, le torsioni e gli squarci che l’artista infligge all’acciaio imprigionano il gesto, che sospeso nella materia, genera un risultato espressivo di dinamismo plastico che prescinde dalla forma. La ricerca intellettuale della quantità di spazio su cui un corpo può avere influenza dipende dallo sforzo fisico e materiale di trasformazione delle masse di cui Spagnulo segue in prima persona i diversi stadi fin dall’origine. Si determina così un rapporto viscerale tra la scultura e l’artista che, dominando i volumi con un senso epico dell’impresa, imprime l’idea di forza alle sue opere.

Corrado Abate agisce sul legno come in un dialogo con un alter ego: ascolta, osserva, assimila tutto ciò che la materia ha da raccontare per poi intervenire ed estrinsecarne l’intima essenza. Il gesto del creare è per l’artista un processo quasi alchemico e sperimentale che utilizza i principi della Chimica e della Fisica per interpretare delle realtà intrinseche. Le spaccature, le bruciature, le penetrazioni sono azioni inflitte a una materia ancora viva, che quindi reagisce e metabolizza nel tempo portandone i segni. Il violento sforzo fisico dell’intervento di Abate compiuto sul legno come entità altra da sé si rivela una forma di autolesionismo: un tentativo di percepire la propria esistenza e ricercare un equilibrio. Si avverte così un legame intenso e profondo dell’artista con le opere: ognuna è il racconto di un rapporto stretto, un’osmosi che imprime nella materia una forte energia e trasmette la sensazione di una connessione con il Tutto.

Il rapporto dei due artisti con la materia prima, acciaio o legno, fatto di gesti forti, violenti e faticosi, porta da un lato Spagnulo a un maturo dominio della ricerca intellettuale sul dinamismo plastico delle forme nello spazio e dall’altro Abate a svelare l’intimo valore spirituale della materia attraverso la concretezza di reazioni chimiche e fisiche.

Giuseppe Spagnulo nasce a Grottaglie nel 1936. Dopo gli studi all’Istituto di Ceramica di Faenza, si trasferisce a Milano dove attraverso Nini Valentini incontra e frequenta importanti artisti tra i quali Lucio Fontana e Arnaldo Pomodoro. A partire dagli anni Settanta espone in Italia e all’estero: XXVI Biennale di Venezia (1972), X Quadriennale di Roma (1973), Newport Harbor Art Museum (1977), Neue Nationalgalerie, Staatliche Museum, Berlino (1981), Biennale di Venezia (1986), installazione di Campo sospeso a Castello di Burio, Asti. All’inizio degli anni Novanta gli viene affidata una cattedra di scultura presso l’Accademia di Belle Arti di Stoccarda. Nel 2000 è stato insignito del Premio Faenza alla carriera e nel 2005 espone al Guggenheim Museum di Venezia. Nel 2006 gli viene dedicato “Omaggio a Giuseppe Spagnulo” nell’ambito della XXIV Biennale di Gubbio. Tra le opere in spazi pubblici vanno ricordate Scogliere di fronte al Teatro degli Arcimboldi a Milano, La foresta d’acciaio al Parco Schuster Ildefonso a Roma e la Porta della Luce nel Duomo di Prato.

Corrado Abate nasce a Biella nel 1977. Il suo rapporto con la natura e il legno nasce proprio dal contesto in cui l’artista è cresciuto: a contatto con gli alberi dei boschi e il legno della falegnameria. Dopo un periodo di sperimentazione di espressioni artistiche tradizionali, raggiunge la consapevolezza creativa nel scegliere il legno come materia per i suoi lavori. Nel 2008 partecipa alla collettiva Exiled on man street, presso le Studio Maffei, Milano; nel 2009 espone a Torino presso Ex Uovo Magazine; Nel 2010 partecipa alla VII edizione di KunStart, Bolzano e alla collettiva Studio Maffei Milano is proud to support its local artists presso Environment Gallery, New York; nel 2011 partecipa al Moca e Arte Laguna Prize e alla VI Biennale di Soncino.

GIUSEPPE SPAGNULO | CORRADO ABATE
Opening: Thursday, May 12, 2011 h. 7 | 9 pm
Until May 18th 2011
Hours: 3 | 8 pm
Studio Maffei Milano feat. Circus Studio
via Pestalozzi, 4 - 20143 Milano
Studio Maffei, in collaboration with Circus Studios, is pleased to present the exhibition Giuseppe Spagnulo | Corrado Abate.
The exhibition introduces the work of two sculptors: the accomplished Giuseppe Spagnulo, and the young bright Corrado Abate.

The exhibition compares two different yet similar artists.
Giuseppe Spagnulo, since he started out in the Sixties, breaks steel shapes of well defined geometries making them free from being static and withdrawn. Starting from the debate between Figurative Art and Abstract Art he develops sculptures that encompass the Space through the act, which is not only a gesture, but a synthesis of a decision and of its final action. The lacerations, the torsions, and the rips the artist inflicts on the steel, trap the act that, being suspended into the material, produces an expressive effect of plastic dynamism abstracted from the shape itself. The intellectual investigation of the quantity of space can be influenced by a form, depends on the physical and material effort of the transformation of the bulk that Spagnulo himself follows during the whole process right from the start. So a visceral relationship is determined between the sculpture and the artist who, dominating the volumes with an epic approach to the challenge, imprints on his artworks the idea of power.

Corrado Abate acts on wood as he was having a dialogue with an alter ego: he listens, studies, observes everything the material has to tell and then he works over to objectify its intimate essence. The act of creation is for the artist almost an alchemic and experimental process that uses chemical and physical principles to interpret intrinsic realities. Cracks, burns, penetrations are actions inflicted on a still leaving material that reacts and metabolizes in the course of time bearing the marks. The violent physical effort of Abate’s performance on the wood as an entity other-than-self turns to be something similar to self-mutilation in the meaning of attempting to feel his own existence and to look for his mental balance. So is perceived an intense and profound connection of the artist within his artworks: each one is a story of a close relationship, of an osmosis that imprints on the material a strong energy and transmits sensation of a connection with the Universe

The relationship of both the artists with the raw material, steel or wood, made by strong, violent and tiring actions, brings on the one hand Spagnulo to a mature control of the intellectual investigation on plastic dynamism of shapes into the space and on the other hand Abate to disclose the intimate spiritual value of the material through the tangible evidence of chemical and physical reactions.

Giuseppe Spagnulo was born in Grottaglie in 1936. After his studies at the Institute of Ceramics in Faenza, he moves to Milan where, through Nini Valentini meets important artists such as Lucio Fontana and Arnaldo Pomodoro. Starting from the Seventies he exhibits in Italy and abroad: XXVI Venice Biennale (1972), X Quadriennale, Rome (1973), Newport Harbor Art Museum (1977), Neue Nationalgalerie, Staatliche Museum, Berlin (1981), XXXIII Venice Biennale (1986), temporary installation of Campo sospeso at Castello di Burio, Asti. At the beginning of the Nineties he is assigned to teach at the School of Fine Arts of Stuttgart. Il 2000 he receives the Career Award of Faenza and in 2005 he holds an exhibition at the Guggenheim Museum in Venice. In 2006 an exhibition Omaggio a Giuseppe Spagnulo is dedicated to him inside the XXIV Gubbio Biennale. Among his works in public spaces have to be mentioned Scogliere in front of the Arcimboldi Theatre in Milano, La foresta d’acciaio at the Schuster Ildefonso Park in Rome and the Porta della Luce in the Duomo in Prato.

Corrado Abate was born in Biella in 1977. His love for nature and wood originates from the setting in which the artist grew, close to trees and the wood in the carpentry. After a first period of experimentation of the traditional artistic techniques, he comes to his creative consciousness on choosing wood as raw material for his artworks. In 2008 he takes part to the group show Exiled on man street, Studio Maffei, Milano; in 2009 he exhibits in Turin within Ex Uovo Magazine; in 2010 he participates to the VII KunStart in Bolzano and to the group show Studio Maffei Milano is proud to support its local artists at Environment, New York; in 2011 he participates to Moca and Arte Laguna Prize and to the VI Biennale of Soncino.

CosaChiamoCasa (What I Call Home) - Exhibition View

2011-03-18T18:41:00.009+01:00

Alice Pedroletti - Elisa Penagini - Agostino Osio
Prima parte della fase conclusiva del concorso organizzato da Studio Maffe Milano; in mostra i progetti fotografici dei vincitori della sezione analogica. La selezione dei candidati è avvenuta tramite due giurie: una popolare, composta dagli utenti del socialnetwork Facebook®, che hanno votato direttamente le immagini pubblicate sulla fan page di SMM; la seconda, formata da un comitato scientifico di persone, ritenute punti di riferimento nel mondo dell’arte e della comunicazione, che hanno analizzato e valutato in base alla loro competenza, basata su libere scelte di sensibilità e gusto personale.

Alice Pedroletti
“Città domotica”, 2011
Per parlare di Santa Giulia, promettente città del futuro alle porte di Milano, ho scelto la nebbia, una costante per chi vive li.“Cosachiamocasa” quasi ironicamente diventa una domanda che sorge spontanea camminando per SG.Un centro abbandonato prima ancora di essere riconosciuto come tale.Desolazione e solitudine.Perso in aria bianca il centro appare e scompare in lontananza, svelandosi in tutta la sua grandezza che difficilmente raggiungerà, sommerso dalle mille polemiche e abbandonato da chi si era illuso che per una volta davvero le cose anche qui in Italia, potessero essere vere.

Elisa Penagini "Stipite I", 2011
Spesso, molti anni devono passare prima che l'orecchio sia maturo per una determinata storia. Gli uomini, come i nostri genitori e in genere tutto ciò che amiamo e temiamo, devono morire perché si possano comprendere giustamente”. Gustav Janouch, Colloqui con Kafka, (1947 ca.) A dodici anni trovai in casa due fotografie dell' '800 e le riposi sopra lo stipite della porta della mia stanza. Da allora le due immagini mi seguono nei traslochi e negli spostamenti e in ogni casa trovano spazio. Nelle immagini incorniciate i genitori della mia bisnonna, Eligio e Francesca. Francesca morì a 90 anni con un cioccolatino in bocca nella stanza in cui dormivo da bambina. La storia è la mia storia, il bagaglio che mi porto dietro. La casa è narrazione, tempo, persona. La Polaroid riquadro, istantanea, documento.

Agostino Osio con Lavinia Marinotti
“Stai amico caro e versa nei miei occhi l’incanto”, 2002
Quest’immagine è il ricordo di un momento passato ed è parte vitale del paesaggio della propria identità. Le sedie sono un invito all’incontro. La luce crea un’architettura di pensiero. Chiamo Casa quel luogo dove si sperimenta il calore di un incontro, quel luogo che definisce uno spazio interiore, Casa. “Stai amico caro e versa nei miei occhi l’incanto” Saffo

CosaChiamoCasa (What I Call Home) - And The Winner Is..

2011-03-15T14:13:00.003+01:00

DGT_Raffaele Petralla

DGT_Bianca Salvo

ANL_Alice Pedroletti

DGT_Giuseppe Mendolia Calella

DGT_Maria Teresa Ortoleva

DGT_AnnaPaola Sbarbaro

DGT_Maria Giulia Alvigini

DGT_Marco Dapino

ANL_Elisa Penagini

DGT_Marialuisa Pastò

DGT_Mariapia Rizzo

DGT_Angelo Balsamo

DGT_Delfino Sisto Legnani

CosaChiamoCasa (What I Call Home) PhotoContest 2011

2011-03-15T01:01:00.001+01:00

“COSA CHIAMO CASA (WHAT I CALL HOME)”

PHOTO CONTEST 2011

15|03 - 04|04

Studio Maffei Milano, nell’ambito delle proprie attività culturali, promuove un concorso di fotografia dal titolo “CosaChiamoCasa (What I Call Home)” suddiviso in due sezioni: digitale | analogica; finalizzato alla selezione di venti vincitori per la prima e tre per la seconda sezione, rivolto a fotografi professionisti, artisti o aspiranti tali.

La selezione dei candidati avverrà tramite due giurie: una popolare, composta dagli utenti del social network Facebook®, che voteranno direttamente le immagini (ILIKE) pubblicate sulla fan page di SMM, dal 21 al 28 febbraio 2011; la seconda, composta da un comitato scientifico che analizzerà e valuterà tutti gli autori in base alla propria competenza, basata su libere scelte di sensibilità e gusto personale.

Il premio consiste in una mostra collettiva presso SMM dal 15 marzo al 4 aprile 2011, in collaborazione con il PhotoFestival 2011, e la conseguente pubblicazione del libro che sarà presentato durante il programma del salone del mobile 2011.

Per partecipare al concorso bisogna inviare via email l’immagine in alta risoluzione (per la sezione analogica aggiungere la scansione del negativo), accompagnata da 300/600 battute che introducano il progetto e ne giustifichino la scelta entro e non oltre il 20 febbraio 2011.

Per diventare membro della giuria popolare basta avere un account di Facebook® e diventare fan della pagina di Studio Maffei Milano e seguire le istruzioni pubblicate nel bando.

“CosaChiamoCasa (Wha I Call Home)”

Photo Contest 2011

15 marzo | 4 aprile

Viale Bligny 39 20136

info@studiomaffeimilano.com

www.studiomaffeimilano.com

Regolamento

Art. 1 - Bando e Segreteria

Promotrice del concorso è Studio Maffei Milano (denominata SMM) con la collaborazione di

Three Walls Gallery® - Los Angeles | New York | Milan - Evironment Furniture Inc. Los Angeles

La Segreteria del Concorso è presso: Studio Maffei Milano viale Bligny, 39 20136 – Milano

Per contattare la segreteria: info@studiomaffeimilano.com

Art. 2 – Tema

CosaChiamoCasa (What I Call Home)”

Libera interpretazione del titolo a discrezione della sensibilità di ogni singolo autore. Le immagini in concorso devono essere accompagnate da un testo di circa 300/600 battute che introduca e testimoni il progetto fotografico, al fine di fornire molteplici elementi ai giurati per meglio interpretare l’intento e il motivo della scelta dell’immagine. Le didascalie verranno pubblicate per intero a seguito delle immagini.

Art. 3 - Partecipanti

La partecipazione è gratuita, aperta a tutti i cittadini italiani o residenti in Italia aventi meno di 35 anni (nell’anno in corso). Per coloro che, alla data di chiusura del bando, non avranno compiuto il diciottesimo anno d’età, sarà necessaria una un’autorizzazione e una dichiarazione di responsabilità da parte dei genitori da inviare in forma scritta presso la segreteria di SMM (Art. 1). Non sono ammessi a partecipare al concorso: i membri della giuria, i componenti della segreteria, tutti i soggetti che a vario titolo collaborano all’organizzazione del concorso ed i rispettivi familiari.

Art. 4 - Modalità di partecipazione e iscrizione | Sezione Digitale

- Le immagini devono pervenire via email all’indirizzo info.photocontest2011@gmail.com

- Formato jpg con risoluzione 300 dpi

- Il lato maggiore dell’immagine non deve eccedere di 24 cm

- Copiare nell’oggetto dell’email: “PhotoContest 2011_DGT_Nome Cognome”

- Nel corpo oltre all’allegato, le didascalie così indicate: Nome Cognome, titolo, anno, supporto (media), dimensione

- Ogni autore può partecipare con un massimo di una (1) foto, in bianco e nero o a colori, in tecnica digitale

Art. 4 bis - Modalità di partecipazione e iscrizione | Sezione Analogica

- Le immagini devono pervenire via email all’indirizzo info.photocontest2011@gmail.com

- Formato jpg con risoluzione 300 dpi – Formati standard 6.5×9 | 9×12 | 10×15 | 13×18 | 18×24

- Per i partecipanti con supporto Polaroid® sono ammessi tutti i formati standard

- Copiare nell’oggetto dell’email: “PhotoContest 2011_ANL_Nome Cognome”

Nel corpo dell’ email allegare la scansione della fotografia stampata e quella del negativo dalla quale è stata presa l’immagine in concorso; le didascalie così indicate: Nome Cognome, titolo, anno, supporto (media), dimensione

- Ogni autore può partecipare con un massimo di tre (3) foto, in bianco e nero o a colori

Non verranno prese in considerazione le immagini ricevute senza uno di questi requisiti.

Art. 5 - Scadenza

Le immagini dovranno pervenire entro le ore 19.30 di domenica 20 febbraio 2011.

Art. 6 – Modalità di esposizione web e votazione popolare

- Verrà pubblicato sulla fan page di SMM un album intitolato “CosaChiamoCasa (What I Call Home) PhotoContest 2011”

- Ogni immagine selezionata per il concorso, sarà accompagnata dalla didascalia: Nome/Cognome dell’autore, titolo (eventuale) dell’opera, anno, supporto (media), dimensione e relativa introduzione dell’autore di 300 / 600 battute

- L’album verrà aggiornato in ordine cronologico dal ricevimento delle candidature e reso visibile agli utenti sulla fan page di SMM, dal 21 al 28 febbraio 2011; periodo durante il quale sarà possibile visionare e votare (previa iscrizione alla fan page di SMM) la foto preferita

- Per diventare membro della giuria popolare è necessario avere un account di Facebook® (http://www.facebook.com/) e diventare fan dello Studio Maffei Milano semplicemente andando sulla pagina (http://www.facebook.com/STUDIOMAFFEIMILANO) e cliccare sul pulsante “mi piace”.

- Il singolo utente potrà votare più di una immagine

Non saranno presi in considerazione i voti (Ilike) di persone non iscritte alla fan page.

Art. 7 – Premi

Tutte le foto selezionate (20 per la sezione digitale e 3 per quella analogica) saranno esposte presso la galleria Studio Maffei Milano dal 15 marzo al 4 aprile 2011 nel contesto della biennale di fotografia di Milano promossa da Photo Show e della manifestazione Photo Festival 2011. Alla giuria è riservato il diritto di non selezionare opere offensive o volutamente volgari e non assegnare nessun premio qualora le opere presentate non raggiungano un livello qualitativo accettabile.

Art. 8 – Comunicazione dei vincitori gestione dati personali e diritti d’immagine

I ventitrè (23) candidati vincitori riceveranno la comunicazione via email (all’indirizzo dal quale hanno spedito la candidatura) il giorno 1 marzo 2011; la conferma avrà in allegato un documento (manleva delle responsabilità collegate a diritti di terzi, assunzione diretta della responsabilità e indicazione certa delle modalità di esposizione / pubblicazione delle immagini su supporti cartacei al fine di promozione e divulgazione della mostra) che andrà stampato, compilato e firmato dall’autore selezionato (il quale accetterà le condizioni del concorso) e spedirlo via email con firma digitale o, a proprie spese, tramite servizio postale o corriere, all’indirizzo: Studio Maffei Milano viale Bligny, 39 – 20136 Milano, entro e non oltre il 9 marzo 2011 (farà fede il timbro postale); la busta conterrà la delibera. SMM non avrà alcuna responsabilità nel caso la busta arrivi deteriorata a causa di un cattivo servizio da parte del servizio postale, o non sufficientemente cautelata nella messa in sicurezza da parte dell’autore. SMM richiederà agli autori selezionati di inviare entro il 5 marzo 2011 le immagini vincitrici, via email, modificate con la risoluzione più consona alla stampa (accordi che verranno presi personalmente da Studio Maffei Milano con i direti interessati). Le immagini verranno stampate e incorniciate a spese di SMM.

Per la sezione analogica i vincitori dovranno inviare via posta prioritaria, a spese di SMM, il negativo dal quale verrà stampata l’immagine in concorso; qualora l’autore vorrà riavere indietro il materiale al termine della mostra, potrà farlo a sue spese richiedendolo e contattando la segreteria del concorso all’indirizzo email: info@studiomaffeimilano.com entro la data di chiusura della mostra. Diversamente SMM avrà la facoltà di gestire personalmente le immagini e i supporti.

Art. 9 – Giuria Scientifica

- I membri della giuria scientifica sono persone fisiche che SMM invita a partecipare a titolo gratuito in quanto ritiene essere punti di riferimento nel mondo dell’arte, della comunicazione, della moda e del design; l’elenco verrà pubblicato entro il 14 febbraio 2011

- La giuria scientifica eleggerà dieci (10) candidati per la sezione digitale e due (2) per la sezione analogica

- Il presidente della giuria e il segretario saranno nominati dagli stessi membri nella prima seduta

- La giura è intesa validamente costituita con la presenza di almeno quattro membri

I documenti certificanti le votazioni saranno disponibili presso la segreteria del concorso, previa richiesta scritta via posta ordinaria (Art. 1).

Art. 9 bis – Giuria Popolare

- I membri della giuria popolare sono persone fisiche di qualsiasi nazionalità di qualsiasi età accreditate presso la fan page di Facebook di SMM (http://www.facebook.com/STUDIOMAFFEIMILANO) - (Art. 6).

Per votare basta entrare nell’album del concorso e votare (ILIKE) una o più immagini ritenute degne di vincere il contest. Verranno selezionate le prime dieci immagini per la sezione digitale e una per la sezione analogica, che riceveranno più voti. A parità di voti verranno premiate entrambe.

Art.- 10 - Condizioni di partecipazione e responsabilità dell’autore

Fatta salva la proprietà intellettuale delle opere che rimane a capo dell’autore, SMM si riserva il diritto all’utilizzo esclusivo delle immagini selezionate solo ed esclusivamente all’interno del contesto del concorso, nella promozione del suddetto, nella descrizione e nella divulgazione promozionale tramite mezzi stampa, cartacei e web. Il contest fotografico non prevede vincite di premi in denaro, tanto meno l’acquisizione delle immagini scelte (salvo accordi precedentemente presi tra le parti coinvolte). Il contest non richiede la successiva disponibilità gratuita per l'uso delle immagini. Le immagini non vincitrici verranno utilizzate e rese pubbliche solo nel contesto della manifestazione in sé e per la sua promozione e non per altre iniziative scollegate, anche se gratuite.Ogni partecipante è unico responsabile in quanto forma oggetto della sua immagine, pertanto s’impegna ad escludere ogni responsabilità di SMM nei confronti di terzi. In particolare dichiara di essere unico autore delle immagini inviate e che esse sono originali, inedite e non in corso di pubblicazione, che non ledano diritti di terzi e che qualora ritraggano soggetti per i quali è necessario il consenso o l’autorizzazione egli l’abbia ottenuto.

Accetta incondizionatamente tutte le norme del presente regolamento.

Art. 11 - Tutela della privacy

I partecipanti al concorso, inviando le immagini all’indirizzo email: info.photocontest2011@gmail.com con i dettagli del regolamento correttamente inseriti, accetteranno incondizionatamente i termini e le condizioni di utilizzo delle immagini previste dalla produzione del concorso, dalla pubblicazione on-line, dalla promozione e dal loro relativo utilizzo.

I dati raccolti saranno trattati ai sensi del D. Lgs 196/03. (http://www.leggesullaprivacy.it/). Essi saranno utilizzati da SMM al fine del corretto svolgimento del concorso.

I dati raccolti nell’ambito del presente concorso possono essere trattati ai soli fini istituzionali e promozionali del concorso di SMM.

I dati raccolti possono essere visionati, modificati, aggiornati o cancellati in qualsiasi momento.

Il titolare del trattamento dei dati è SMM.

CosaChiamoCasa (What I Call Home) PhotoContest 2011

2011-02-20T01:10:00.003+01:00

PER VOTARE FINO AL 28 FEBBRAIO 2011

http://www.facebook.com/STUDIOMAFFEIMILANO#!/album.php?aid=365585&id=42607963711&fbid=10150183333293712

Tillo Buttinoni_Recent Clues

2011-02-13T18:08:00.009+01:00

Tillo Buttinoni Recent Clues Studio Maffei Milano

RECENT CLUES

TILLO BUTTINONI

Vernissage giovedì 10 febbraio | 7 - 9 pm

Fino al 10 marzo 2011

A seguito di una prima esperienza, nata tre anni fa tra le mura di un appartamento d'oltre oceano, Tillo Buttinoni propone, in occasione della sua prima personale allo Studio Maffei Milano, “Recent Clues”, una mostra-percorso-racconto di lavori ispirati alla città lombarda.

Saranno una serie di soggetti metaforici, per lo più descritti dal mondo del teatro (e di strada), dal cinema muto e dall'architettura scenica a rappresentare alcune condizioni della società moderna (in particolare quella italiana e milanese) i cui difetti sembrano affiorare da un tragicomico, se non grottesco, "archetipo del malcostume".

Le debolezze umane sono estese su tutti fronti e il sentimento collettivo, se pur con qualche eccezione, sembra convergere verso un'atrofia dell'intelletto. Troppo spesso infatti sembra che il mondo della cultura risulti sordo e cieco e totalmente incapace di illuminare il cammino dei popoli attraverso il buio dell’epoca contemporanea.

I riferimenti simbolici di questi diesgni gommati, quindici lavori su tavola, più una installazione architettonica, attingono per gran parte al '900 dei nostri nonni che parteciparono all'ultimo conflitto su scala mondiale. Milano è una città ombelico sia per la sua forma topografica che per la sua natura conservativa; apparentemente chiusa ma non per questo meno curiosa, fu la città più bombardata durante la grande guerra anche perchè era al momento il fulcro e centro della vita sociale, politica, economica e culturale del paese. All'epoca i nostri avi parteciparono ad una dignitosa ricostruzione, mantenendo come monito alcune tracce dell' intenso passato. Diversamente da essi, le nuove generazioni, che di certo non spiccano per l'amore, il senso civico o il legame verso questa realtà, sembrano ignorare completamente la memoria storica, permettendo che qualunque attività lucrativa possa dominare se non cancellare per sempre le rughe della città; così come farebbe un chirurgo estetico con una velina capricciosa.

Il profondo legame che Tillo Buttinoni ha per i luoghi della vecchia Milano, e per la piccola tribù meneghina che resiste con essa, lo spinge a lanciare dei segnali, se pur discreti, su alcuni dettagli che sono certamente destinati a scomparire. Il lavoro in mostra è dunque un invito ad osservare e ad osservarci meglio per non dover costringerci, ancora una volta, a dover fuggire dalla nostra storia e dalle nostre antiche e gloriose radici. Un puro gesto d’amore nei confronti di una terra e del suo popolo che sono stati miracolati da Dio ma che in questo momento sembrano più propensi all’ Inferno.

STUDIO MAFFEI MILANO WISHES YOU A LUCKY 2011

2010-12-31T09:22:00.000+01:00

STUDIO MAFFEI MILANO | Is Proud To Support Its Local Artists - New York 09|2010 Milano 12|2010

2010-08-16T18:02:00.015+02:00

Studio Maffei Milano
presenta:

“SMM Is proud to support its local artists”
Doppia personale di Corrado Abate e Fabrizio Braghieri

Inaugurazione: 2 dicembre 2010
Dalle ore 18 alle ore 21
3 dicembre 2010 – 19 gennaio 2011

Studio Maffei Milano
Viale Bligny 39, 20136
info@studiomaffeimilano.com
www.studiomaffeimilano.com

Lo Studio Maffei di Milano è lieto di presentare Studio Maffei Milano | New York is proud to support its local artists, una doppia personale di Corrado Abate e Fabrizio Braghieri a cura di Igor Zanti.
Di ritorno a Milano, dopo l’autunno newyorkese che ha visto la galleria proporre quattro dei suoi artisti nella temporary gallery sulla Broadway, e dopo aver sviluppato un ampio e complesso progetto di promozione dell’arte italiana in ambito statunitense, si è deciso di inaugurare la stagione invernale presentando una doppia personale di due degli artisti che maggiormente hanno attirato l’attenzione del pubblico e della critica statunitense durante la trasferta newyorkese.
In mostra, divisa da un’ ideale linea che ripartisce la galleria in maniera equa e speculare, favorendo una sorta di dialogo tra le due differenti personalità artistiche, una selezione di lavori che, sul filo di un’ indagine materica, a tratti scomposta ed a tratti rigorosissima, crea un insieme armonioso e coerente, ponendo l’accento su un fare arte all’”italiana” di grande raffinatezza ed eleganza.
Lo stesso titolo dell’esposizione è stato pensato per far comprendere al pubblico che non ci troviamo di fronte ad un evento fine a sé stesso, ma piuttosto ad un progetto culturale in evoluzione che impegna gli artisti e il gallerista nell’arduo ma necessario tentativo di porre l’arte italiana in una dimensione più internazionale, traendo, attraverso il classico format della mostra personale, le conclusioni e le riflessioni nate da un viaggio, non solo fisico ma, in un certo senso, metaforico. Come era già successo a New York, anche in questa esposizione vengono privilegiati i lavori installativi, lavori che sia nel caso di Abate che di Braghieri, rappresentano ed esemplificano la complessità e la poliedricità della produzione dei due artisti.

PRESS RELEASE

CORRADO ABATE - FABRIZIO BRAGHIERI - LUCA DE SANTIS - TOMMASO LIPARI

Dec. 12 - 2010 Jan. 8 - 2011 Milano

Sept. 12 | Oct 18 - 2010 New York City

STUDIO MAFFEI MILANO c/o
ENVIRONMENT NEW YORK CITY

876 Broadway
New York, NY 10003
+1212-780-0051 (phone)
+1212-780-0061 (fax)
Hours: Mon-Sat 10-7 Sun 11-6

Is pleased to announce the opening of "STUDIO MAFFEI MILANO IS PROUD TO SUPPORT ITS LOCAL ARTISTS", combining solo exhibitions from 4 different Italian emerging and mid-career artists into one show. This show highlights a selection of recent and site-specific works, chosen among some of the most talented Italian artists, exhibited during the last two years of the gallery’s activity.

In addition to the exhibits located in the basement of Environment, located at 876 Broadway, we will also be featuring the scenario/arrangement shift in the front window on the ground floor. Each Sunday, for a period of four weeks, the artists will re-arrange the 'room', using Eco-design supplies provided by Environment, with the artists' own personal taste, and setting the artworks within their most common context: at home. The concept is to highlight the incredible and, at times, under-valuated link between Design and Contemporary Art. The aim is to provide to the spectator the idea of the artworks positioned in an environment different than a museum, enriching our knowledge upon ones everyday surrounding and (hopefully) make it better.

The Exhibition will also host a gift shop where artists can sell smaller authentic and unique works dedicated to America, and particularly to New York City. Items like frottage, t-shirt, drawings, books, publishing and video not available on the market, which represent the expression of artists' work on show, and are dedicated to supporting the project with the broader cultural spirit of this era: contamination as a method of investigation.

The artists - especially emerging - need to be supported, in order to accomplish their work. In response to that, STUDIO MAFFEI MILANO will create a mini-market showing those talents in which it firmly believes, and providing assistance in combining alternative communication projects. Our first goal is to build and grow a significant relationship between art and people, with an active and socially conscious market, trying to tilt the balance towards the artistic sensibility and aesthetic flow.

Established in April 2008, STUDIO MAFFEI MILANO is a concept gallery dedicated to the use of Contemporary Art for the development, communication, and realization of alternative exhibition projects and to the investigation of new ideas inspired by the sharing of diverse social experiences between artists, curators, collectors and professionals in the sector. The gallery aims to feature debut-emerging and mid-career artists, both local and foreign, conceived to showcasing works that both reflect and refract the contemporary culture of life. The headquarters are located in Milan, Italy, but rather than adopt a gallery-as-sanctuary mentality, STUDIO MAFFEI MILANO encourages its artists to work freely, altering the space as they see fit, working on site-specific projects around the world. Exhibitions feature a broad range of contemporary art: painting, sculpture, film/video, performance, mixed-media, and conceptual installation.

ENVIRONMENT is garnering attention in four Eco-conscious cities in the United States and starting to build up great interest all over the world. The brand has won rave reviews from Time Magazine, New York Times, Elle Décor, Domino, Los Angeles Magazine, C Magazine and The Wall Street Journal amongst other publications. Home design and green bloggers are reviewing Environment's designs on a daily basis. Part design consortium, part modern craftsman, Environment is a furniture brand unlike any other, underscoring its commitment to people and the planet through a forward thinking dedication to using materials and processes with low environmental impact and working together with organizations such as the Tropical Rainforest Trust (TFT) to eliminate illegal and controversial tropical wood from supply chains and replace it with wood from TFT forest projects from FSC certified forests.
Established on April 2008, STUDIO MAFFEI MILANO is a concept gallery dedicated to the use of contemporary art to the development, communication, and realization of alternative exhibition projects and to the investigation of new ideas inspired by the sharing of diverse social experiences between artists, curators, collectors and professionals in the sector. The gallery aims to feature debut-emerging and mid-career artists, both local and foreigner, conceived to showcasing works that both reflect and refract the contemporary culture of life. The headquarters is located in Milan, Italy, but rather than adopt a gallery-as-sanctuary mentality, STUDIO MAFFEI MILANO encourages its artists to work freely, altering the space as they see fit, working on site-specific project around the world. Exhibitions will feature a broad range of contemporary art: painting, sculpture, film/video, performance, mixed-media, and conceptual installation.

ENVIRONMENT is garnering attention in four Eco-conscious cities in the United States and starting to build up great interest all over the world. The brand has won rave reviews from Time Magazine, New York Times, Elle Décor, Domino, Los Angeles Magazine, C Magazine and The Wall Street Journal amongst other publications. Home design and green bloggers are reviewing our designs on a daily basis. Part design consortium, part modern craftsman, Environment is a furniture brand unlike any other, underscoring its commitment to people and the planet through a forward thinking dedication to using materials and processes with low environmental impact and working together with organizations such as the Tropical Rainforest Trust (TFT) to eliminate illegal and controversial tropical wood from supply chains and replace it with wood from TFT forest projects from FSC certified forests.

STUDIO MAFFEI MILANO | NEW YORK [HQ]

by Studio Maffei (videos)

4:32

IS PROUD TO SUPPORT ITS LOCAL ARTISTS
c/o ENVIRONMENT FURNITURE
876 Broadway New York NY

STUDIO MAFFEI MILANO wishes to thank: Corrado Abate, Fabrizio Braghieri, Luca De Santis, Tommaso Lipari, F.C. for their hard, invaluable and accurate work.Davide Berruto, Giovanni Gallizio, Carla Sofia, Camilla Trignano, Jean Marie Massaud, Amanda Gott, Marc Raul Sauve’, Marc Antony Valle and the Environment crew: we r...eally apprecciate your support. Alexandra Castelli, Tommaso Fantoni, Terry Richardson, Delfina Pianrdi, James Timmins, Stefania Pia, Vittoria Cerciello, Michelangelo Pistoletto, Margherita Cugini, Davide Rampello, Museo della Triennale di Milano, Luisa Guala, Andrea Zegna, Lorenzo Castellani, Alessandro Tieghi,Stefano Paiocchi, Paolo Righetto, Asli Turker, Nicolo’ Pelanda, Tjorg Douglas Beer and Forgotten Bar Project Berlin, Gian Enzo Sperone, Massimiliano Gioni and New Museum, Francesco Bonami and Whitney Museum, Trisha Brown, Julieta Aranda, Vito Acconci, Gagosian Gallery, Scott Matthew, Cecilia Bringheli, CB Shoes Made In Italy, Beniamino Marini, Igor Zanti, Alan Jones, Olivia Fincato, Lorenzo Bringheli, Andrea Durr, Veronica Lisette Basile, Filippo Loverre, Stefano Adani and GSG group, Filippo Fossati, Jennifer Bacon, Richard Nonas, Richard Serra, Gordon Matta Clark, Pietro Ruffo, Giulia Menarini, ISCP Brookling, Marco Piana, Dia Art Centere, Alice Pedroletti, PierAlvise Garretti, Franca Bartoletti, Riccardo Zingales, Nina, Carolina e Roberto Coda Zabetta, Alfredo Franco Botto, Benedetta Rossi, Ascanio Albini, Peter Tallia, Giorgio Marconi, Enrico Domenico Mossi, Giuseppe Calgaro, Silvia Stabile, Istituto Italiano di Cultura New York, Giuseppe Spagnulo, Gramercy Tavern, Francesco Clemente and the attendant, Luca Massimo Barbero, Fondazione Biennale di Venezia, Whitney Museum, Premio Arte Laguna, Art Forum, Salon 94 Gallery, Bowery Hotel, The Standard, Nicolo’ Masazza, Jacopo Bedogni aka Masbedo, M+B Gallery Los Angeles, Pietro Tatafiore, Giuseppe Salghetti Drioli and Kunstart, Umberto Russo, Artissima Torino and Andrea Bellini, The Don Gallery Milano, Alberto and Kus Brichetti, Eataly Tiziano, Oscar Farinetti for making this adventure possible and this experience unique.

Corrado Abate | NYC

2010-08-16T17:57:00.011+02:00

AUG 2010

NYC | Project

The concept is a study-inhabitable and transportable cells, as an artist’s residence to develop the exhibition’s works and the display set. All the sculpture / installation materials have been founded in the Environments Furniture’s boothset during the design week in Milan in April 2010. The artist has built a case by assembling the floor boards, reinforced with beams that serve as a support for the floor itself. New York is the goal of every artist, especially if emerging as a point of departure or arrival. The cox installation pilgrimage is a testament to how long and difficult this process. Once in New York the case became the living and working space where to build a few new works using local materials, like fabric of military tents in which the company creates its own padding to cover of the structure.The focus idea is to give new life to all the material that has been made available to the artist.

Technical description

Shipped box external dimensions: 2.50 x 1.50 x 1.50 mt.

Inside is another case a few inches smaller, this will serve as the container in which to ship my work to the US, like a suitcase for the immigrant artist. Once its arrives at its destination, I'll dismantle it, joining the panels (alternation the external ones with the smaller ones inside), thus creating the same four walls. Mounted together they will create a cube of 2.50 x 2,90 x 2.90 mt.

Installation weight : around 250 kg
Volume: 5.625 mq.
Detailed materials: fir wood, iron (screw) and textile

Frottaging the world

"car-manhole / new orleans.", 2010

I'm travelling the U.S. with a photographer, she captures the reality in an ethereal way. As a sculptor I can't take away the object that I see, I'd have too many suitcase. So I need of a my own way, like a photographer I take my sketchbook and my pencil and I find to catch what my eyes can see trough the frottage. The sheets that I obteined are like a kind of picture, but with a more materialistic point of view reguarding the reality.

cocnret

manhole 4

anhole 1

metal lattice

Keyhole

door

telephone pale

decoration on rocking chair

decoration on mailbox

"what divide us unites us", 2010
iroko wood and iron
cm. 86 x 35 x 15


"same ol violence", 2010 oak wood and iron cm. 93 x 18 x 18

Filippo Sciascia | Illuminance | Nus Museum - Singapore

2010-07-22T10:57:00.001+02:00

The exhibition focuses on the artists’ recent trajectories and makes links to their practices through collaborative endeavours and curatorial interventions. The exhibition consists of new and current works and at times site specific. Works include drawings, paintings, videos, sculptures and installations.

Stephan Mörsch | Occupation | Marta Museum - Herford

2010-07-02T11:11:00.012+02:00

Stephan Mörsch – Occupation

8 May - 1 August 2010

Marta Museum Web Site

The exhibition “Occupation” staged by Marta Herford is the biggest solo show by Berlin artist Stephan Mörsch (born in 1974 in Aachen) – and also his very first exhibition at a museum.

Stephan Mörsch, who attaches equal importance to Germany and Turkey in his life and for many years has travelled extensively in the Middle East, reflects in his works the various places he has visited.For example, interiors and exteriors as well as urban and rural locations emerge from the darkness in his graphite drawings. In the tradition of film noir, his long sequences of images conjure up scenes which are disturbing or melancholic. Although the powerful expanses of space in his urban views, highway journeys and interiors are often reminiscent of a camera angle or even computer games, the artist deliberately refrains from aiding the eye with a camera to capture his impressions of space. Adopting the style of early travelogues, he consciously uses the technique of drawing to intensively study places. Like snapshots he captures spontaneous impressions in swift outlines before painstakingly working on the details. Individual sections blur into the vagueness of remembered observations or the camera shake of fleeting travel reports.

However, Mörsch does not draw foreign, exotic worlds, preferring instead everyday or peripheral locations: motorways, the beach at Calais, street scenes in Istanbul, Hamburg or Berlin, and even the idyllic town of Quedlinburg. Like shadows of memory, the artist arranges his exquisite drawings to create a curious cosmos. The different atmospheres with their undertow suggest physical movement and continuous travel, culminating in the enigmatic graphite surface of the dynamic lines. Although Stephan Mörsch’s sculptures partly deal with the same content, unlike the vague drawings they are accurate 1:10 reproductions of real buildings. Seemingly inconsequential forms of architecture such as raised hides, beach huts, air-raid shelters and allotment buildings bring home the principles of the simple buildings which increasingly shape our everyday life outside the realm of professional designs.  In the exhibition, Stephan Mörsch is for the first time presenting two models of mosques based on the structures used in American army camps where soldiers are trained for missions in Iraq or Afghanistan. The buildings are immediately recognisable from afar as mosques thanks to pronounced details such as the crescent moon, minaret and dome. Yet on closer inspection, the buildings merely turn out to be stereotypical mock-ups.

For example, the minaret has been built out of oil drums for training exercises while the simple wooden structures somewhere between an American suburban house and Disneyworld merge curiously with Oriental architecture. The row of red and white wooden huts comprises reconstructions of Lebanese guard houses. In the Lebanon, every checkpoint builds its own guardhouse. What all the different de–signs have in common is the use of the colours of the Lebanese flag and the national symbol of the cedar on the façades. The long row made up of variations of what is basically the same small hut embodies the shared determination of different interest groups to create a nationstate. Allotments in Germany date back to the nineteenth century. They were used not only for recreation by the urban population but also as a source of fruit and vegetables in times of shortages. Mörsch’s models of allotment buildings based on examples from Quedlinburg in the region of Saxony-Anhalt in eastern Germany continued to grow organically over the years. Whereas the basic structures consist of the simple, solid materials available before German reunification, the later structures can be seen to be typical products sold ‘off the shelf’ at DIY stores. In stark contrast to the highly structured organisation of allotment gardeners in associations, these proliferating buildings reflect a clear need by owners to shape their own private space and to mark out their territory. Stephan Mörsch focuses attention on his model-making activities with his decorative wells of the type found in German front gardens. These non-functional garden decorations based on historical castle wells reveal the romantic yearning of homeowners. The widespread need to create a second idyllic world in miniature is ironically undermined by the decision to hang them in rows. The beach at Calais in northern France with its numerous bunkers was deemed the Atlantic Wall designed to protect the area from British invasion. Following the war, the bunkers sometimes served as platforms for simple wooden beach huts. The group of small white and blue huts epitomises the recurring culture of entertainment at these places in times of peace. Despite their simple structure, the wooden buildings feature some ingenious architectural details. Apart from their bright colours, in particular the pitched roofs and the windows with their original shapes make the small huts seem surprisingly modern. Positioned on wooden steles which become increasingly exposed as the sand is eroded, the huts often have to be accessed by outdoor steps. In the recent past, these huts have occasionally been used as hiding places for refugees on their way to England – as a result of which some of them were burned down. Moreover, a few years ago further repairs to the beach huts were officially prohibited, prompting them to disappear from memory. “Otopark” is based on the situation concerning car parks in Turkey.

Car park operators entangled in Mafia-like structures aggressively occupy both public and private areas to expand their economic interests. As a result, more parking space is created at the cost of personal outdoor space. Sometimes reinforced huts made out of corrugated iron or concrete develop which are parasitically annexed to existing structures and have become a recurring feature of the urban environment. The hides come from Hürtgen Forest near Aachen, the artist’s hometown. The models, which are shown as a group for the first time in this exhibition, demonstrate the different ways in which these raised hides are built. Even if certain shared structural features can be made out, the details of the platform and the different interior furnishings testify to individual subtleties. The same forest also used to contain one-man bunkers. These curious buildings were used in World War II to protect one or two people during air raids. Now almost completely disappeared, a few have been preserved as listed buildings. As accurate reproductions, Stephan Mörsch’s models don’t just demonstrate the structures of peripheral architecture but also develop an atmospheric denseness. Half-open doors and windows grant a glimpse inside shady interiors. And the scale of 1:10 enables visitors to enter the empty shells of abandoned buildings, revive them – and hence occupy our space inside them. The juxtaposition of architect-designed houses and creative DIY, of icons and improvised shelters that confront us everywhere begs the question of whether the DIY store, the new dictate of form, is replacing modernistic traditions. Are official and private construction drifting farther apart? Who do certain spaces be–long to – and who controls them?

The exhibition ‘Occupation’ uses drawings and models by Stephan Mörsch to tackle these questions by examining diferent ways in which land is explored, conquered and occupied. Stephan Mörsch studied from 1994–96 at Maastricht Academy of Art and from 1996–98 at Hamburg University of Fine Arts, including under Bogomir Ecker, Gunter Reski, Alexander Roob and Pia Stadtbäumer. He has received several financial awards, including “New Talents” from Art Cologne (2005), the “Hamburg Working Scholarship for Fine Art” (2006), the travel grant “Transfer Turkey – North Rhine-Westphalia” (2006/07) and funding from art foundation Stiftung Kunstfonds (2009). In 2005 Stephan Mörsch headed a workshop on the course of further study entitled “a42.org” at Nuremberg Academy of Fine Art under Arno Brandlhuber, while in 2006 he taught at Nuremberg as a visiting professor. Stephan Mörsch lives and works in Berlin.Friederike Fast.

Emanuele Dottori in mostra presso Casa Testori

2010-06-23T14:15:00.002+02:00

"Mi piace guardare attentamente, osservare, analizzare, anatomizzare ogni cosa che mi circonda. Soprattutto l’architettura, la città, da percorrere, attraversare. Da questo vengono i miei soggetti: sono tutti luoghi che ho osservato, attraversato nel mio quotidiano. Skylight è il buco della Stazione Centrale di Milano, il lucernario che dal centro del piazzale si tuffa nella metro. Tutti ci passano, molti lo vedono, ma nessuno sa che c’è. Ho iniziato a guardarlo perché mi sono accorto che c’era e ho iniziato a dipingerlo perché mi sono accorto di quante cose contenesse, in quei pochi metri di vuoto...
Questi 200 acquarelli sono una sintesi di tutte quelle cose che ho visto, osservato, attraversato, scoperto, standoci davanti. Anzi, dentro, fuori, intorno…"

Da poco si è conclusa la sua personale Skylight allo Studio Maffei Milano. A Casa Testori esporrà una serie di oltre cento acquerelli, rielaborazioni pittoriche del lucernario della stazione metropolitana nella piazza antistante la Stazione Centrale di Milano e alcuni collages.

Quest’anno i 22 ambienti di Casa Testori sono occupati da 22 artisti con un ricambio totale rispetto alla scorsa edizione. Il legame con Testori è testimoniato dalla presenza di tre artisti. Enzo Cucchi, per il quale il critico milanese realizzò tre veri e propri libri d’arte. Alessandro Verdi, uno dei talenti lanciati da Testori all’inizio degli anni ‘80. E infine, a sorpresa Pippa Bacca che proprio per l’ultimo suo lavoro realizzò una delicatissima reinterpretazione dei personaggi del Ponte della Ghisolfa. Assieme a loro una compagine larga, sia per le provenienze degli artisti sia per i linguaggi usati.

______________________________________________________________________________

Casa Testori riapre i battenti dal 24 giugno all'11 luglio per la nuova edizione di Giorni Felici. Perché questo titolo e perché questa rassegna ormai a ridosso dell’estate e a chiusura della lunga stagione espositiva milanese? Giorni Felici evoca un’esperienza vitale in cui artisti con storie diverse provano l’esperienza di una contiguità senza preclusioni. Giorni Felici sono quelli di artisti giovani, che misurano la loro energia creativa, nel confronto con gli artisti affermati che partecipano al progetto. È un flusso di sensazioni e di esperienze visive che passa di stanza in stanza con un ritmo percepibile ma che non sovrasta mai i singoli. Ad ognuno è riservata l’esclusività ben definita di una stanza, ma ogni stanza avverte le vibrazioni che vengono dalle altre. Giorni Felici inaugura la nuova gestione di Casa Testori, che per cinque anni sarà affidata a Casa Testori Associazione Culturale che curerà una programmazione di mostre ed eventi capaci di attrarre anche dei non addetti ai lavori per un’idea di arte che sia festa collettiva.

Giorni Felici si svolgerà in Casa Testori

Largo A. Testori 13 (via Piave angolo via Dante), Novate Milanese (Milano).

Da lunedì a venerdì: dalle 17.00 alle 22.00
Sabato e festivi: dalle 10.00 alle 23.00

info@associazionetestori.it
tel. 02 552298375

Tommaso Lipari

2010-06-10T23:26:00.014+02:00

Noi viviamo immersi nell’infinito, ma ancora concentrati sul giardino del nostro vicino. La tecnologia dovrebbe abbattere tutte le barriere, ma alcuni confini invalicabili creati dall’uomo causano ancora guerre secolari. Il dipinto di Friedrich "Viandante sul mare di nebbia (1818)" riassume in un’immagine la relazione tra l’uomo e l’infinito, rappresentando come ogni progetto umano annichilisce di fronte all’infinito. I ritratti di Tommaso Lipari (scala reale 1:1) rappresentano veri uomini, donne e bambini nella stessa posizione del Viandante sul mare di nebbia. Tutti i personaggi, uno di fianco all’altro, paradossalmente, creano un muro, un confine.

Fabrizio Braghieri_"L'Armonia Del Caso" 05 | 2010

2010-04-21T12:43:00.014+02:00

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FABRIZIO BRAGHIERI
“L'Armonia Del Caso"
20 maggio - 20 giugno 2010

Vernissage Giovedì 20 maggio | 7 – 9 pm

Studio Maffei Milano presenta, in occasione della sua prima mostra personale in galleria, "L'Armonia Del Caso" di Fabrizio Braghieri. In mostra cinquanta quadri di diverse misure suddivisi in tre serie: "Direttori", "Avi" e "Fiori"

"LEFT HAND_MANO LASCIATA" Lasciare andare la mano verso il destino del caso, come lo è la caduta di un fiore dal cielo o il cambio d'umore apparentemente repentino. In realtà condotto dalla sua eccelsa maestra: Madre Natura. Così a dire che nessuno e` direttore di se stesso ma solo l'esperienza passata puo ricordare.. in quanto spettatore austero e silente. F.B.

Una voce sembra uscire, una voce d’opera, un'altra Maria Callas che fiorisce dal nero sfondo, debole Fiore, sensibile anima che deriva, che scivola nell’urlo della notte, che avanza lieve dal nulla che assale. La causa e l’effetto di questa sensibilità c’è, non è nichilismo artistico.E’ un ermeneutica del senso, un domandarsi altro quello di Fabrizio che cerca nell’ascolto e dalle parole un lascito, depositario di un volto che non ha tempo, che esiste anche se non evidente, manifesto, limpido… Sono mille volti e gesti quelli dei Direttori, sono attese piene di senso, sono voci di dissenso, sono voci che si esprimono nel bianco nero di una realtà quotidiana che ha perso quella presenza d’animo, quel vocicchiare Univoco, quel rappresentarsi senza veli, senza tenebre; come le luci nel vento.

Fabrizio mi domanda spesso cosa rappresentano i Direttori per me, mi chiede cosa sono, si chiede cosa possono essere per gli altri. Cerca di ascoltare l’Eco delle loro voci, l’Eco dei loro consigli: un dialogo profondo con la voce di se stesso, la mia voce che si rispecchia nel volto a fondo nero della mia intima realtà, cui mi domando ancora sulla sua esistenza.I miei Antenati si scagliano pericolosamente su di me, gli Antenati sembrano invadere i nostri spazi. Sono le voci del passato, Sono le voci di chi ci ha preceduto, le voci di chi ci ha dato dei gesti che tuttora mettiamo in atto, i mille gesti dei Direttori che si perdono nella fuga, che cercano di ri-esistere al flusso che si impossessa di loro…Sono Fiori ciò che escono, sono Fiori quegli sguardi che avanzano, sono voci i pensieri che avvolgono, Fiori che attraversano gli Antenati e che trapassano i Direttori. Fiori.

Testo di Alberto Pennella

Fabrizio Braghieri (1967) vive e lavora a Milano, tra le sue mostre personali e collettive ricordiamo:

2009 Luna e l’altra, group show Colossi Arte Contemporanea, Brescia
2008 Colazione da Barozzi, Studio Barozzi, Milano
The Don collection, The Don Gallery, Milano
Spaxio Libero, Artcontempory, Milano
2007 Quasi pagine, artist’s book, Biblioteca San Giorgio, Pistoia
Quadri elettrici, galleria Project B, Milano
2006 New York Photo Fair” New York (USA)
Draws, Drawings Biennal, London (UK)
Caftani d’autore, Triennale Design Museum, Milano
Made in Italy, Galleria Cardi, Milano
Decoupage, Studio Argo&Londinium, Lugano (CH)
2000 Solo Show - Galéria Marta Torres, Ibiza (SP)Mille Voci……..

Installation view @Studio Maffei Milano

Luca De Santis "Sovrapensiero" 04|2010

2010-04-06T13:29:00.000+02:00

LUCA DE SANTIS
“Sovrapensiero"
9 aprile – 6 maggio 2010

Vernissage Giovedì 8 aprile | 6 – 9 pm

A seguito del progetto introduttivo di dicembre, Studio Maffei Milano presenta la prima mostra personale di Luca De Santis dal titolo Sovrapensiero: frutto di una ricerca di immagini iniziata nel 2000.

Le opere in mostra sono venti fotografie in bianco e nero, pezzi unici di medio formato, dove il soggetto è la figura, umana o animale, collocata al centro dellʼimmagine, sospesa su un fondale immaginario dove lo scorrere del tempo è impercettibile e viene esaltato dalla presenza dei pensieri e dal relativo flusso, sotto forma di segni colorati ad olio, acrilico, collage di elementi estranei e inconsueti. Come le lenti a contatto: che trattengono ciò che gli occhi vedono, per poi trasformarlo in memoria.

Lo sfondo delle immagini é un paesaggio, naturale o urbano, assemblato, a volte capovolto o dilatato nella sua forma canonica, frutto di numerosi viaggi iniziati a Cuba, passando per Istanbul, New York, Bali, Thailandia, Dubai, Messico e chiuso per il momento, a distanza di dieci anni, con la visita a Città del Capo.

Lʼallestimento comprende una video-installazione che richiama lʼattenzione degli spettatori ad unʼanalisi del momento storico; nella quale lʼartista interpreta la coscienza di una società individualistica, costretta in spazi sempre più ridotti, stimolata di continuo dai troppi mezzi di comunicazione a pensieri veloci e uniformati.

"Ciò che pensiamo aggiunge tutto al nostro corpo, che davvero non abbiamo scelto di indossare".

Luca De Santis (1976) lavora da oltre dieci anni come graphic designer, art director e illustratore freelance per importanti marchi di moda e design italiani ed internazionali. Ha studiato illustrazione, cinema e fotografia a Milano e Roma. Vive e lavora a Milano.

Estratto dal video che verrà presentato in occasione della mostra

"Sovrapensiero" @ Studio Maffei - 8 Aprile 2010

Director: Luca De Santis

Film and Editing: Antonio Petrianni

Music: "Every Traveled Road" by Scott Matthew

for Glitterhouse Records and Defend Music

Production: Chocolate Studio in association with Studio Maffei Milano
www.studiomaffeimilano.com

Emanuele Dottori "Skylight" 02|2010

2010-03-04T12:47:00.001+01:00

EMANUELE DOTTORI

Skylight_Disegni e Collages

19 febbraio – 11 marzo 2010

Inaugurazione Giovedì 18 febbraio | 6 – 9 pm

In occasione della sua prima mostra personale allo Studio Maffei il giovane milanese Emanuele Dottori (1983) propone una nuova serie di lavori su tela e carta e un wall-drawing sito-specifico che hanno come soggetto il lucernario della fermata metropolitana alla stazione centrale di Milano.

Le opere grafiche del promettente artista, segnalato nel 2008 dalla commissione dello Spazio Oberdan, rivelano il suo fascino per le architetture, rigorosamente in bianco e nero, analizzandole fino al minimo dettaglio; con la volontà di scavare nella realtà materiale, di arrivare nel profondo e di renderla attraverso il segno con una grafica rapida e incisiva.

Il lucernario è una spirale di luce all’interno di un buco nero sotterraneo, somigliante a un girone dantesco che può essere considerato bello o squallido, ma sicuramente interessante in quanto parte di quelle forme che ci circondano, che spesso diamo per scontate ma che in qualche modo condizionano le nostre percezioni. Il disegno è da sempre per l’artista il primo livello, l’approccio fondamentale e necessario in cui immergersi con leggerezza e libertà per arrivare, solo in seguito, al supporto più complesso della fotografia che, dopo un’ ulteriore manipolazione, si trasforma in collage. Le opere in mostra rappresentano una fase precisa di questo percorso di analisi: sono l’inizio, l’ avvicinarsi al soggetto attraverso il disegno, strumento privilegiato per l’ analisi e per la sua conseguente indagine.

Verranno presentati per l’occasione una serie di collages fotografici di medio formato sull’ architettura del lucernario, raffiguranti la presenza dell’ uomo sotto l’ imponente sguardo del cielo soprastante; una serie di acquarelli di piccolo e medio formato che amplificano i dettagli della forma circolare, un wall-drawing di circa quattro metri di dimensione caratterizzato da segni neri e grigi su fondo bianco e una serie di tele di grande dimensione raffiguranti l’ insieme della stazione.

Emanuele Dottori (1983 ) diplomato presso l’Accademia di Belle Arti di Brera, Milano.

Personali 2009: “Skylight_Disegni” Sala Rossa, Galleria Ghiggini, Varese

2006: “Villa Fiorita” Corsico, Milano, a cura di Davide Dall’Ombra

Collettive 2007: “Il Segno della Croce” Villa Mazenta, Giussano, Milano, a cura di Maurizio Giovagnoni

2005: “Venti di Brera” Castello Visconteo, Pandino, Crema, a cura di Maria Cristina Galli e Marina Pino.

Premi 2007: primo premio concorso “I Colori della Velocità”, Guidizzolo, Mantova

premio della Giuria“Premio GhigginiArte” Galleria Ghiggini 1822, Varese.

finalista al concorso “Profilo d’Arte” Palazzo della Permanente, Milano

Alcune sue opere sono state scelte come illustrazioni per le riviste: “I Martedì”, Bologna; “ClanDestino Arte”, Milano.

Luca De Santis "Sovrapensiero # 0" 12|2009

2009-12-14T15:23:00.039+01:00

Luca De Santis vuole uscire sulle nuvole dal finestrino di un aereo e camminare, perché quel bianco è di un mondo nuovo che deve iniziare.Crede nell'umano come unione tra il cielo e la terra, l’intermezzo tra gas e materia; per questo destinati a non essere custodi di forme. La forma del nostro corpo non viene da una nostra scelta, viene dall'evoluzione umana, dalla selezione naturale, mentre i nostri pensieri si, possiamo accudirli, farli evolvere, tenerli per noi o congelarli in altre menti, accantonarli, trasformarli in nuove forme-oggetto.

Sovra Pensiero è il titolo di una serie di foto b/n. bagaglio dei viaggi tra Istanbul e New York, sulle quali incide,incolla, disegna pensieri.Le sue composizioni sono scenari popolati da oggetti animati, fantasie astratte e pensieri immobili quasi come fossero stati estratti da un taccuino.Corpi, profili maniche si stagliano su fondi urbani o naturali, arretrati su un piano secondo rispetto alla folla di pensiero-oggetto che, distrattamente,albergano le loro menti." Pensiamo spesso cose che non scegliamo. Sovra pensiero, gli oggetti si accavallano nelle nostre teste. I pensieri possono essere cercati, accuditi, celati agli altri, o condivisi."Sovra Pensiero introduce Luca De Santis nell' emisfero dello Studio Maffei. La prima personale è prevista per primavera 2010.

Italian Guerrilla 11|2009

2009-11-05T17:16:00.001+01:00

Corrado Abate - Tommaso Lipari - Michele Merlo - Daniele Bros Nicolosi - Giuseppe Spagnulo - Roberto Coda Zabetta

“Esiliati, ma sulla strada maestra” questo il mantra col quale lo STUDIO MAFFEI cerca di conquistare terreno sullo spinoso percorso dell’arte contemporanea. Mentre Artissima si svolge indisturbata tra le curiose provocazioni della fiera, un gruppo di artisti si ritira negli ex locali della redazione di Uovo Magazine, per assemblare una mostra-progetto collettiva, volta a sostenere la scena artistica nazionale.

Globalizzazione, esterofilia, provincialismo pigro, snobismo poltico: tanti sono i nemici. L’italica patria l’arte l’ha inventata, l’ha insegnata a tutto il mondo, conosciuto e non e l’ha resa immortale; come immortale è stato nei secoli il valore degli autori. Abbiamo permesso che ci invadessero coloro che l’arte ce l’hanno scopiazzata, dagli americani prima ai cinesi dopo. La nostra è una guerrilla tutta italiana, una missione: una sorta di resistenza partigiana contro l’invasione estera. Italian Guerrilla è la reazione coraggiosa affrontata con pochi mezzi; mezzi che il governo e le istituzioni nostrane non mettono a disposizione. Nessuno cerca la vanagloria ma insegue la necessità di dare il proprio contributo alla causa, provando a riconquistare la fiducia di musei,istituzioni pubbliche e private, in Italia e all’estero. Non ci danno armi ed esercito ? Sveglia !

Basta piangere e lamentarsi. Questa è una guerra senza confini, noi ci mettiamo il cervello, le gambe e la voglia di emergere. Nessuno si sente mercenario ma valoroso eroe di una resistenza artistica nazionale. Non è un’occupazione politica, un voler berciare per attirare l’attenzione sul nulla, il piagnucolare per un comodo posto al sole: questa è una causa vera. Con Italian Guerrilla gli autori e gli organizzatori non intendono attaccare il sitema arte, utilizzando slogan da varietà o comizi rumorosi, ma l’unico mezzo di cui dispongono: il lavoro attuato con il massimo impegno.

Citando uno scrittore canadese che grazie al sostegno del proprio ministero della cultura ha vinto numerosi premi letterari internazionali, Yann Martel: “Una comunità che non sostiene i propri artisti sacrifica l’immaginazione sull’altare della cruda realtà, rischiando di coltivare sogni senza valore”

Per ulteriori informazioni sulla mostra e materiale fotografico:

Ufficio stampa Studio Maffei

e-mail studiomaffei@gmail.com

Corrado Abate "A Volte Chimica A Volte Fisica" 09|2009

2009-09-19T17:55:00.001+02:00

La chimica e la fisica

Dacché ho cognizione autonoma e non condizionata dell’esistenza, ho sempre considerato la Chimica e la Fisica come i due pilastri che sorreggono il Tutto. Ogni fenomeno, dalla gravitazione dei corpi celesti all’amore, dalle malattie alle maree, è riconducibile a queste due forze. Da loro tutto è generato e tutto dipende. Crescendo mi sono attaccato sempre più tenacemente ad una visione scientifica del mondo e di ciò che lo governa. Non sono mai riuscito a trovare nulla di altrettanto credibile, e l’esasperazione di questo mi ha più volte portato ad una sorta di scientismo esistenziale, ad una concezione radicalmente nichilista: nasco poi muoio. Come posso trovare stimoli per vivere? Il mio approccio a queste due scienze risale alla mia infanzia e alla mia congenita curiosità. Sono stato un bambino alla costante ricerca di risposte, ossessionato dai troppi perché inspiegabili, con la necessità e il desiderio di trovare qualcosa (o qualcuno) in grado di farmi comprendere lo scibile e l’ignoto. Il mondo che tanto mi incuriosiva e meravigliava non poteva avere senso se non riuscivo a penetrarlo (o assimilarlo) completamente. Non ero un bambino precoce, ero semplicemente uno che andava fuori di testa se non capiva il perché delle cose. “E’ così e basta” era una risposta che mi creava nevrosi e sconforto. Ho avuto la discutibile fortuna di avere un padre che ha sempre assecondato la mia voglia di provare, di sperimentare, di far reagire, esplodere e fondere gli elementi. Ora capisco che lo ha fatto più per suo divertimento personale che per spirito di insegnamento dal momento che, ancora oggi che non sono più un bambino, appena può mette mano ai miei divertentissimi esperimenti. Crescendo ho cominciato a capire un po’ di più le enciclopedie e i testi che trovavo in giro per casa. Poi è venuta la scuola, ma imparare non era più così divertente: poco pratico e troppo teorico. Chimica e Fisica sono materie di studio noiosissime. Quando esplodono, o spaccano, o prendono fuoco, allora sì che sono divertenti, è solo lì che, bambino o adulto, mi riescono a emozionare. Ecco perché non le ho mai studiate. Credo che non aver avuto una formazione scientifica adeguata abbia permesso di trasportare Chimica e Fisica nella mia ricerca artistica. Se le avessi conosciute in maniera accademica e razionale difficilmente sarei riuscito ad adattarle alla concezione visionaria che ho di un’opera.

Un bagaglio scarno di sapere e la voglia di continuare a meravigliarmi; man mano che il mio lavoro ha preso forma mi sono reso conto che il mio approccio alla Chimica e alla Fisica è simile a quello che avevano gli alchimisti. Nemmeno loro avevano fondamenti, tutto era sperimentale ed empirico. Non avevano la precisione asettica dei ricercatori moderni. L’alchimia era una questione filosofica. Mischiava la Chimica e la Fisica con l’astrologia, la numerologia, la medicina, il misticismo, la religione, l’arte. L’alchimista voleva arrivare a un sapere supremo (sommo sapere) e cercava soluzioni ai problemi dell’uomo, come io cerco da sempre risposte; le varie fasi che componevano il processo alchemico sembrano simili al mio processo creativo. Si basano entrambi sulla ritualità. Quando lavoro i gesti mi vengono fuori come se fossi in trance: inconsci, atavici e incontrollabili come in una danza mistica. E poi c’è la sofferenza: per l’alchimista aveva una valenza vera e propria nel compimento delle fasi del processo. Io, come lui, spasimo. Il patimento del mio corpo, le martellate, le ustioni con la polvere nera, le schegge di legno e di ferro piantate nella pelle, le inalazioni, le intossicazioni sono una sorta di martirio, il mio sacrificio furibondo per la comprensione, per avere delle risposte. Grazie a questo parallelismo, o forse solo per paura del nulla, mi sono avvicinato ad una visione più mistica di quelli che continuano a rimanere i miei pilastri, intuendo nella scienza una forza che concettualmente, nel profondo, non si discosta molto dalla religione.

La Materia
Nasco nel legno, da sempre il mio elemento, la mia materia. L’ho studiato attraverso l’esperienza dei vecchi, falegnami o contadini che fossero, nelle leggende e nella mitologia, nella botanica. Crescendo con una falegnameria sotto casa dove andare a giocare di nascosto manipolare il legno è stato il naturale sfogo ai miei primi bisogni espressivi, quando matite e pennarelli non mi bastavano più. Da bambino vivevo in mezzo ai boschi.Non mi piaceva giocare a pallone, io mi divertivo con gli alberi, sugli alberi, negli alberi. Mi infondevano sicurezza, così enormi, così forti, così saggi. Erano più interessanti degli altri bambini.
Le conoscevo a memoria le piante dei miei boschi, ne scorgevo le impercettibili mutazioni ad ogni cambio di stagione anche se rimanevano apparentemente uguali, e paragonando il loro corpo al mio, iniziavo a capire quanto fugace fosse l’esistenza umana.
Poi ho iniziato a costruire mobili, a lavorare con il legno per tirar sù quattrini, imprecando dietro a quelli che sembravano difetti,le crepe, i nodi, le parti che non assorbivano bene la tinta, le venature strane e deformi. Imparavo quelle reazioni che anni dopo avrei applicato ai miei lavori recenti. Eppure per tanto tempo non ho mai pensato al legno come base per il mio lavoro e la mia ricerca: lo vedevo troppo legato alla tradizione scultorea e figurativa. Non mi piace antropomorfizzare un materiale con una spiritualità così profonda. Il legno è vivo, anche da morto. Nasce con il sacrificio di un albero, che con le radici ha vissuto e prodotto ossigeno. L’albero è elemento vitale e nella polpa della sua memoria rivedo questi processi, sento che ha fatto parte di questo sistema che mi tiene in vita. Il legno ha una memoria: la prima cosa che faccio prima di iniziare un lavoro è contare i cerchi del tronco che userò. Attraverso lo spessore dei singoli anelli riconosco le annate secche da quelle piovose e mi perdo a pensare cosa l’albero abbia vissuto di quegli anni: quanta storia, guerre, carestie, morti abbia visto; a quanti drammi umani o sociali abbia fatto da personaggio comprimario, silenzioso e presente nei secoli. Piano piano ho iniziato a conoscerlo sotto un altro aspetto, ad avere con lui un rapporto più intimo e infantile. Così ho imparato che il legno ha un’anima, è un amico saggio a cui raccontare la vita e chiedere consiglio. Non più materia passiva pronta per esser modellata, ma essenza da interpretare, da adattare alle tante condizioni umane; così facile paragonarla a me, alla mia esistenza, ai miei pensieri. Mi piace penetrare la materia, scaricare la rabbia nel legno con gesti forti, faticosi e dolorosi, senza precisione. Proprio come le pulsioni umane fanno.
Lo dilato, lo rompo, lo martello, lo picchio contro oggetti, lo strappo, lo annuso, lo mordo, spesso lo mangio per assimilare la sua essenza. Lo sfido in una lotta fisica: la mia forza contro la sua tenacia, e molte volte mi punisce ferendomi il corpo.

Vis-à-Vis 05|2009

2009-05-14T17:53:00.001+02:00

vis-à-vis loc [ francese ] faccia a faccia - di fronte.

La mostra presenta una selezione di lavori dedicati al ritratto, con l’intento di suscitare una riflessione sui diversi stati d'animo che gli artisti sanno abilmente congelare in un gesto. A differenza dello specchio, che produce una riflessione regolare della luce, questi quadri, disegni, sculture e fotografie, tendono a distorcere l'immagine fino a spingere l'utente alla domanda più profonda e inconfessabile: siamo o non siamo i più belli del reame ?

A voi la risposta.

Fratelli Calgaro - Roberto Coda Zabetta - Mario Giacomelli

Iva Kontic - Giovanni Manfredini - Aldo Mondino - Filippo Sciascia

Tommaso Lipari | Michele Merlo "Doppia Personale" 03|2009

2009-03-05T17:49:00.001+01:00

Lo Studio Maffei punta i riflettori su nuovi canali espressivi in un momento di buio creativo e sociale. A illuminare questo percorso di ricerca, due artisti giovani appartenenti a generazioni diverse che si cimentano nella loro personale analisi della società in cui (con) vivono. Analisi a tratti ciniche o tragicomiche, sicuramente originali nello svelare quanto gli attori siano in realtà conformi ai valori che il “clan” loro propone (o impone).

Tommaso Lipari lo fa con mezzi molto diversi tra loro: una serie di disegni a china su carta e un video girato in 8mm e successivamente digitalizzato. In entrambe i casi, i protagonisti sono personaggi mostruosi, complessati, arrabbiati, deboli e problematici ma che nella loro diversità di freak sono comunque inseriti nella contraddittoria società dei consumi. I diligenti, appunto.

Michele Merlo utilizza uno dei più comuni e umili materiali, il cartone, per ri-costruire un mondo dai colori rarefatti e sagome lineari, senza proporzioni rigide e prospettive costrette. I suoi sono skyline che ricordano i fumetti o i primi videogiochi dalla grafica essenziale, rappresentazione sintetica e minimale di una generazione che prova in ogni modo a tralasciare le sfumature per indagare il significato e la forma pura.

STUDIO MAFFEI MILANO | Vogue It

2008-11-30T18:36:00.001+01:00

"Does it look good above the sofa? Or how about putting it in the lounge?...Sometimes collectors, before purchasing, have to ask for their wives' advice …", says Luca Maffei with a smile before his espresso. "I thought that combining interior design and art would be fun, at the end of the day furniture and paintings have both always been a way to embellish our homes!". And when such combination takes place in New York the outcome may be unique, especially if the location is the basement of a stunning loft on Broadway, at Environment Forniture (876 Broadway).
Within walking distance of Union Square, on the corner between 18th and Broadway, until October 18th STUDIO MAFFEI IS PROUD TO SUPPORT ITS LOCAL ARTISTS, a statement-making title for an exhibition that is constantly evolving, offering a full program of parties, openings and performances, thanks to the commitment of four young artists Corrado Abate, Tommaso Lipari, Luca De Santis and Fabrizio Braghieri.
The works, some of which realized expressly for the exhibition, others adjusted to the context of Environmen furniture, interact in the surprisingly dramatic darkness of the basement. There is someone who, like Fabrizio Braghieri, proposes an intimate work, started when his mother had passed away, entirely covering his studio in white spiderwebs studio. The same webs that now lay on the gallery's floor, representing the transition, testifying a moment, and how it is contaminated by present. Corrado Abate, with his modular box, ponders over the idea of pilgrimage alongside with the use of wood, like oak or walnut, investigating it different symbols. Luca De Santis tells of interrupted moments and states of passive thought with a series of photographs and videos, while Tommaso Lipari gives us the story of his life in comic strips.

Besides the works exhibited in the basement, for four Sundays until the end of October, the window overlooking Broadway will change its setting up. The single artists will re-interpret the different home spaces using the eco-friendly design furniture provided by Environment and for each "artist-like" room a different vernissage will be showcased in the gallery…

© Olivia Fincato for Vogue.it

http://www.vogue.it/people-are-talking-about/da-new-york/2010/09/studio-maffei

The Forgotten Bar Project 09|2008

2008-09-19T17:46:00.002+02:00

THE FORGOTTEN BAR PROJECT is a project initiated by GALERIE IM REGIERUNGSVIERTEL BERLIN, a module fed by a group of artists, curators and others. Concerns with access, involvement and intervention are each a priority for its initiation. Galerie im Regierungsviertel promotes contributions that critically and sensually confront existential phenomena of our life.

GALERIE IM REGIERUNGSVIERTEL BERLIN has shown 58 exhibitions within 62 days between 1st of July and 31st of August 2008 in Berlin-Kreuzberg including artists like André Butzer, Assume Vivid Astro Focus, Julieta Aranda, Tjorg Douglas Beer, Sue de Beer, Tobias Bernstrup, John Bock, Candice Breitz, Destroy All Monsters, Amie Dicke, Nathalie Djurberg, Tracy Emin, Andreas Golder, Thomas Helbig, Judith Hopf/Deborah Schamoni, Dorothy Iannone, Christian Jankowski, Annika Larsson, Atelier van Lieshout, Mark Lombardi, Kris Martin, Jonathan Meese, Christopher Miner, Elizabeth Peyton, Jon Pylypchuk, Daniel Richter, Kirstine Roepstorff, RothStauffenberg, Arcangelo Sassolino, Cristoph Schlingensief, Katja Strunz.

Exiled On Main Street 04|2008

2008-04-02T17:43:00.002+02:00

Exiled perhaps, but on the main street.

As the Miart artfair is taking place between the curious provocations and the exasperated thoughts, spreaded on the white cartboard walls threemetersbyone, a group of artists hides in the cellars of Via Correggio, purposing to interpret the location through a sort of conscious isolation, by adapting the essence of each artist to the organic nature of the elements composing the seven underground rooms. In this case, the exile is seen as a choice, and the choice is what makes us free. Free to alter the vision of space and time, forcing the mind to draw on resources that go far beyond the ordinary ability of perception, allowing the artists to ‘be’ the space, besides conceiving it.

Stones, wood and iron finally boast a story to tell, born from the most impulsive and visceral desire to create in a more naturally irregular way. The artists are driven towards the choice of an instinctive act, which at its culmination, inevitably makes them unique. Exiled On Main Street – A Selected Group show, is an exhibition where every corner, every shadow and every sign is available to anybody willing to find the time to observe.

Flair Magazine - Sovrapensiero

2008-04-01T22:30:00.000+02:00

Exibart - Interv

2008-04-01T22:01:00.000+02:00

Duellanti - Tommaso Lipari

2008-04-01T22:00:00.000+02:00

Repubblica - Tommaso Lipari

2008-04-01T21:24:00.000+02:00

Cool Shrank

2008-04-01T21:12:00.001+02:00

Studio Maffei - La galleria con la valigia

Studio Maffei, galleria milanese nata nel 2008, è uno spazio dedicato all’uso dell’arte contemporanea, alla progettazione, comunicazione e produzione di progetti espositivi alternativi. Ricerca e sviluppa nuove idee, maturate dalla condivisione di diverse esperienze, dalla conoscenza tra professionisti del settore e da quelli che si definiscono “art user”.

Anna Quinz interviews Luca Maffei

Chi sta dietro Studio Maffei?

Innanzitutto io. Prima di aprire Studio Maffei Milano ho lavorato per una galleria milanese tra le più prestigiose. Un periodo durante il quale ho usufruito di molteplici esperienze nella gestione tecnica ed umana di una galleria d’arte contemporanea. Poi una serie di opportunità ha fatto sì che nascesse SMM: quasi per caso, anche se in fondo, era quello che avrei sempre voluto realizzare. Il progetto poi coinvolge le persone che lo seguono; gli artisti più giovani che lavorano
con la galleria vengono coinvolti attivamente negli allestimenti e nella gestione della comunicazione; nella produzione degli interventi fuori sede e nella loro realizzazione, come nel caso di Torino e Bolzano.

Non sono mai stata nella Galleria, mi fai una visita guidata a distanza dello spazio?

Lo Studio Maffei è un “bilocale” di circa 150 metri quadrati con cucina a vista. Su un lato dello spazio c’è un’infilata di finestre che danno sul giardino interno.È quindi molto luminoso, fresco e silenzioso perché si accede da un cortile interno di un vecchio edificio in tipico stile milanese. Prima di me c’era uno studio di design, prima ancora il parcheggio delle carrozze del palazzo.

Lo spazio, come detto prima, è un contenitore, quindi cerchiamo di renderlo il più neutrale possibile.

A KunStart 2009 eravate presenti oltre che con uno stand, anche con un pulmino bar che ha animato le notti bolzanine. Da dove nasce questa scelta, perché una galleria si mette in gioco ludicamente, vendendo sangria e cercando di animare non solo la vita artistica ma anche quella mondana del territorio in cui si trova?

Il pulmino (The Blue Bus) porta in giro l’arte: intera, smontata, appoggiata.Porta a spasso anche le persone che la pensano, la ispirano,ne fruiscono facendole incontrare e mischiare tra loro, così che ci siano incontri, concatenamenti ed infinite combinazioni. C Con questo progetto cerchiamo di far parlare, sentire e vedere, e perché no, divertire. Cerchiamo di intrattenere, fomentare e contaminare i nostri utenti, con un linguaggio spendibile e palpabile, con spirito leggero e contemporaneo. Siamo dell’idea che a volte si debba uscire dalle mura della galleria che sempre meno attira gente, e di scendere per strada. Studio Maffei è una galleria con le valigie.

Quali le impressioni, positive e negative della fiera, della città, del panorama artistico bolzanino, confrontato con quello milanese ed internazionale?

Il sistema delle fiere, secondo la mia opinione, è decisamente in declino;se si pensa che solo in Italia ci sono almeno 10 fiere d’arte si capisce che il vaso è saturo. Rimarranno le tre fiere del “mainstream”, il resto è destinato a cadere. Quella di Bolzano ha una particolarità che le altre fiere minori non hanno: ha un sistema interno che funziona perfettamente, un museo che opera, oltre che sul territorio, sul panorama internazionale e un grande margine di crescita. Il territorio
è molto fertile dal punto di vista dell’innovazione e della ricerca. Con alcuni miei colleghi abbiamo provato ad immaginare la fiera ideale, basandoci su quelle che sono le esigenze tecniche e pratiche di una galleria giovane che opera con giovani artisti. Spero che l’anno prossimo vengano accettati alcuni suggerimenti da parte delle gallerie e che si lavori insieme ad una fiera “ad hoc”. Il territorio in sé ha la fortuna di essere una terra di mezzo, quindi di avere un’apertura culturale e mentale un po’ più ampia rispetto ad altri luoghi. Quella milanese invece è una scena praticamente inesistente, dove alcuni protetti frequentano un solo circuito e si associano a quello come una bandiera dietro la quale nascondersi. Milano è una città estremamente inospitale ma che d’altra parte dà la possibilità di confrontarsi con il mondo intero. Noi partiamo dal presupposto che molti fanno le cose con mediocrità, quindi cerchiamo di essere sempre un passo più avanti rispetto agli altri.

Un sogno nel cassetto di Luca per Studio Maffei?

Essere un punto di riferimento per i miei colleghi e un buon esempio per i miei figli. Direi che oltre a questo, i sogni sono quelli di tutti gli uomini con un po’ di coscienza.

English Summary: Studio Maffei Milan is a gallery space dedicated to the use of contemporary art to the development, communication, and realization of alternative exhibition projects and to the investigation of new ideas inspired by the sharing of diverse social experiences between artists, curators, collectors and professionals in the sector.

XL Repubblica

2008-04-01T21:01:00.000+02:00

Affari Italiani

2008-04-01T20:56:00.001+02:00

L'Italian Guerrilla sbarca alla notte bianca dell'arte

Una mostra collettiva per promuovere il made in Italy dell’arte. E' l'esposizione "Italian Guerrilla" ad Artissima, la fiera del contemporaneo di Torino che per un giorno trasforma la città in un museo a cielo aperto. Il gallerista Luca Maffei sceglie Affaritaliani.it per spiegare l’uso del termine battagliero 'guerrilla' Venerdí 06.11.2009 16:00

di Maria Teresa Melodia

Sabato 7 novembre Artissima, Fiera internazionale d'arte contemporanea, trasforma Torino in una galleria d’arte en plein air con l’apertura straordinaria di spazi, musei, fondazioni, istituzioni e luoghi inconsueti. Una vera notte bianca dell’arte con un intenso programma di inaugurazioni, mostre, performance ed eventi che contaminano vie e piazze della città, animate anche da concerti e dj-set che accompagneranno la notte torinese.

Tra i ogetti presenti c’è quello di una galleria milanese particolarmente vogliosa di emergere: “ I collezionisti italiani prediligono e difendono artisti stranieri”, così il gallerista spiega l’idea che ha stimolato "Italian Guerrilla", la mostra collettiva, inaugurata ad Artissima e aperta fino all’8 novembre. Un’esposizione ideata dallo Studio Maffei con l’intenzione di suscitare interesse tra collezionisti e musei sul giovane made in Italy dell’arte. Gli artisti coinvolti sono Corrado Abate, Tommaso Lipari, Michele Merlo, Daniele Bros Nicolosi Giuseppe Spagnulo , Roberto Coda Zabetta. Studio Maffei, galleria milanese, nata nel settembre 2008, dedicata all’arte contemporanea nelle sue espressioni più giovani e alternative al mainstream, porta così la sua novità tra le miriadi di voci dello spinoso mondo dell’arte contemporanea, dove l’esterofilia ha il suo ruolo. “L’uso del termine battagliero ‘guerrilla’ non vuole essere connotato in senso politico, ma comunicare la nostra intenzione di scendere in trincea, nel senso di lavorare per opporsi all'invasione estera nel mondo dell’arte”, spiega ad Affari il gallerista Luca Maffei.
A detta degli organizzatori, Italian Guerrilla è la reazione affrontata con pochi mezzi, mezzi che il governo e le istituzioni italiane spesso non mettono a disposizione, un’iniziativa che non vuole tradursi in un attacco al sistema arte, attraverso slogan o comizi, ma nel ricorso all'unico mezzo disponibile, cioè il lavoro attuato con il massimo impegno. Una ‘filosofia’ che la giovane galleria identifica nella citazione dello scrittore canadese Yann Martel: “Una comunità che non sostiene i propri artisti sacrifica l?immaginazione sull?altare della cruda realtà, rischiando di coltivare sogni senza valore”. Tra voglia di mettersi in gioco, tavole, wall draw e consigli artistici in tempo di crisi, le idee non mancano, un invito quindi ad andare a vedere di persona se c’è anche del talento…

BluArte - Intervista Corrado Abate

2008-04-01T20:51:00.000+02:00

Corrado Abate, in una delle sue affermazioni: “Nasco nel legno…L’ho studiato attraverso l’esperienza dei vecchi, falegnami o contadini che fossero, dalle leggende e dalla mitologia”. Questo è solo l’inizio per un’artista giovane, ma con prospettive inimmaginabili. Abate è un vulcano, freme: chimica, fisica, psicologia, sociologia, è la fusione dell’arte per un sguardo lontano…
Come inizia l’arte di Corrado Abate ?
Con la curiosità, giocando all'inizio, poi con l'impegno e la totale devozione.

Lei ha partecipato con l’opera: “Gabbia numero due:tempo” alla Kunstart 2009 di Bolzano , quale era il suo messaggio?
Un lavoro sulla percezione del tempo. Nove metronomi scandiscono nove fasi della vita. La scienza dimostra come lo scorrere del tempo, la sua velocità, sia percepito dall'uomo in maniera sempre più accelerata man mano che invecchia. Si va dall'infanzia, in cui il tempo è dilatato e non se ne ha coscienza tanto scorre lento, alla vecchiaia, in cui l'angoscia della fine ci risucchia inesorabilmente.

Una gabbia, i metronomi, è il segno del tempo ?

La gabbia rappresenta la condizione umana: è una condanna il tempo a cui nessuno può sfuggire.

Arte per esprimere o per imprimere il tempo?

No, solo per esprimere un disagio, condividere la mia angoscia.

Angoscia?
Nasco e poi muoio. Mi sembrano un po’ poche come certezze.

Ha realizzato opere per grandi spazi ?

Alla Kunstart ho presentato anche un lavoro, "Il muro del Scarto" lungo cinque metri per tre di altezza ed uno di profondità.

E' complicato trovare spazi e condizioni ideali, specie agli inizi. Grandi lavori comportano grandi costi, ed è difficile che un privato compri opere tanto ingombranti. Con questo lavoro però è andata bene, è stato acquisito da un collezionista di Bolzano.

Con lo Studio Maffei, quale è il suo rapporto…

E' un rapporto di collaborazione e condivisione reciproca, di fatiche ed ambizioni.
Lo Studio Maffei lavora anche con artisti affermati, alcuni consegnati già alla storia. Ma investe su giovani emergenti come me, e con la Fiera Kunstart, una fiera giovane e proiettata al futuro ne ha dato un esempio.

Come artista, cosa pensa dell’arte contemporanea che cerca di scandalizzare ?

L'arte ha sempre scandalizzato. E' un'espressione del pensiero, è inevitabile che in certi momenti si faccia compromettente. Ogni periodo storico ha avuto i propri oltraggi, e statisticamente sono stati i capisaldi per future evoluzioni.

L'arte moderna si è sviluppata parallelamente a tempi di grande cambiamento per l'uomo, specie dal punto di vista morale e sociale: è normale che il pensiero si sia spinto ogni volta oltre il limite del pensare comune. Fa parte del più generico processo di sviluppo dell'umanità.

L'arte contemporanea ha urlato molto forte in questo senso. Forse i nostri giorni sono saturi di scandali, in ogni settore: probabilmente il vero oltraggio, per pensare fuori dalla massa, è la normalità. Con questo non credo che una rana crocifissa, o un bambino impiccato possa davvero sconvolgere la moralità di qualcuno. Il pensar bene è offeso quotidianamente con cose ben più gravi.

Il vivere quotidiano e la tecnologia , in che modo dialogano con la sua arte ?

Il mio lavoro potrebbe esser stato fatto secoli fa per i materiali che uso. Ma il mio pensiero non uscirebbe dal mio studio se non esistesse la tecnologia. Viviamo in un mondo sempre più grande, ed il mestiere dell'artista ha bisogno della tecnologia e del progresso.

L’arte bisogna viverla dentro, non crede che troppi giovani artisti hanno fretta di arrivare?

Un artista ha la missione di esprimere il proprio pensiero. La ricchezza può attendere, la fama e la gloria possono aspettare. Ma l'ossessione di non riuscire a dire tutto in tempo è costante. Vede, è sempre colpa del tempo.

Cosa dovrebbero fare, secondo lei, le gallerie per i giovani artisti ?

Il Sistema Arte è fatto da tanti attori. Le gallerie hanno una parte importante perché sono quelle che scoprono, sgrossano e buttano sul palcoscenico i giovani artisti. Ma i poteri forti, quelli che scrivono i copioni, sono altri: le fondazioni ed i musei, ad esempio, che molto poco investono sui giovani italiani. Lo Stato latita, la cultura non è una priorità. Poi curatori, critici, giornalisti, Pochi i grandi collezionisti, quelli che con un acquisizione fanno la fortuna di un artista, a differenza di molti altri paesi.

Corrado Abate , dal futuro artistico cosa si aspetta?

Quel che certo è tanto lavoro e sudore.

Corriere della Sera Vivi Milano - Luca De Santis

2008-04-01T20:32:00.000+02:00

BeCool - Studio Maffei Milano

2008-04-01T20:30:00.000+02:00

Abitare Magazine - Emanuele Dottori

2008-04-01T20:28:00.000+02:00

SKYLIGHT

Collages e disegni attorno a un buco di luce nella metropolitana milanese. di Valentina Ciuffi

Per la sua prima mostra personale allo Studio Maffei di Milano, Emanuele Dottori (1983) propone una nuova serie di lavori su tela e carta e un wall-drawing che hanno come soggetto il lucernario della fermata metropolitana alla stazione centrale di Milano.

Le opere grafiche dell’artista, segnalato nel 2008 dalla commissione dello Spazio Oberdan, raccontano il suo fascino per le architetture, che tratta analizzandole fino al minimo dettaglio; con la volontà di “scavare nella realtà materiale, di arrivare nel profondo e di restituirla attraverso il segno”. Un giro di immagini, una riflessione su un luogo dell’attraversamento quotidiano che incuriosisce.

STUDIO MAFFEI MILANO 

Viale Bligny 39 20136 Milano  Italy Tel +39 02 36507646 340 2468530
studiomaffei@gmail.com 
studiomaffeimilano.com

Franz Magazine - Corrado Abate

2008-04-01T20:01:00.000+02:00

Senza titolo, tecnica mista 2010: Studio Maffei ed Umberto Russo mettono “all’angolo” Corrado Abate   Un giovane artista, un giovane gallerista ed un mecenate.

L’artista è Corrado Abate, il gallerista Luca Maffei della Galleria Studio Maffei di Milano, il mecenate il notaio Umberto Russo. Nessuno dei tre è bolzanino, ma... a Bolzano si incontreranno il 3 marzo in occasione dell’inaugurazione della mostra “Senza titolo, tecnica mista 2010”. L’angolo di Umberto Russo è un piccolissimo spazio espositivo, situato al piano terra della casa privata del notabile siciliano, bolzanino d’adozione. La galleria tascabile è una vera e propria protesi dell’appartamento del suo visionario proprietario, ed accoglie via via piccole mostre di artisti giovani ed emergenti. Questa è la volta di Corrado Abate, artista “falegname”, rappresentato da Studio Maffei, galleria milanese guidata, col vento in poppa, dal giovane e visionario gallerista Luca. Corrado lavora col legno, materia viva e vitale, con cui crea sculture forti, scomode, perché nel legno raccontano di violenze, di angosce, di brutalità … Lo stesso impatto visivo delle sculture è potente e radicale: si tratta di blocchi di legno trafitti, sconvolti, violentati da elementi esterni duri e pesanti, come il ferro, che ne scalfiscono la purezza e l’integrità materica. Diceva il proverbio: “ogni legno ha il suo tarlo…

”CORRADO ABATE SENZA TITOLO, TECNICA MISTA 2010Inaugurazione 3 marzo 2010, h 19.00L’angolo di Umberto RussoVia Fago 30, Bolzano

Alto Adige - Corrado Abate

2008-04-01T19:55:00.000+02:00

All angolo di Russo opere vive e cosmiche firmate Corrado Abate
Alto Adige — 04 marzo 2010 pagina 29 sezione: AGENDA BOLZANO.

Arte in casa apre la stagione 2010 con una bella
mostra dello scultore Corrado Abate (Biella, 1977), giovane artista in via di affermazione, già presente a KunStart l’anno scorso, il cui ritorno è annunciato nella Fiera dell’ Arte anche per l’ imminente nuova edizione. Umberto Russo, nel suo “Angolo”, fino al 7 marzo ospita alcune opere dell’ autore piemontese, cinque sculture di vario formato ed una quindicina di bozzetti su carta. Abate si esprime prevalentemente attraverso una materia viva, il legno, elemento naturale che lo accompagna fin dai primi giochi di bambino, nel quale ha scoperto via via sempre nuove affinità in cui si riconosce appieno ed in cui ora ripone tutto il proprio impegno espressivo. «Nasco nel legno... - afferma Abate -. L’ho studiato attraverso l’esperienza dei vecchi, falegnami o contadini che fossero, nelle leggende e nella mitologia, nella botanica». Il tempo che scorre è uno dei temi cui l’ artista dedica molta attenzione; molti suoi lavori sono il prodotto di osservazioni e ricerche sulla percezione della fuggevolezza del tempo. Sensazioni, che Abate tende a misurare, in un certo senso, attraverso la sindrome del “bicchiere mezzo vuoto”, sostenuto da una sorta di pessimismo cosmico, sempre teso a rivendicare la condanna ad una esistenza troppo breve. Una memento mori, un po’ nichilista, con un certo risentimento verso il destino comune ed inesorabile. Tutto ciò diventa forma attraverso il suo comporre plastico, in cui si avvale anche di metallo ed altri materiali, in una elaborazione che crea una certa osmosi tra arte ed alchimia, evocando influssi tra una improbabile pietra filosofale e il risanamento della materia esposta a corruzione. L’irriducibile bisogno di comprendere, così limitato dal tempo, trova rappresentazione in una congenialità di rapporti interdisciplinari, tra chimica, fisica, psicologia, attraverso l’ arte tridimensionale in cui Corrado Abate, nella singolare complicità con l’ essenza del legno proietta memorie, esperienze, speranze.
© Severino Perelda

Corriere della Sera - Corrado Abate

2008-04-01T19:47:00.000+02:00

Giuseppe Spagnulo | Corrado Abate

2007-05-03T13:30:00.000+02:00